Обзор музыкальной культуры эпохи античности экзамен

1. Музыкальное искусство Древней Греции.

2. Музыкальное искусство Древнего Рима.

1. Музыкальное искусство Древней Греции.

Периодизация
культуры Древней Греции:

Ранняя Греция –
3 тыс. до н.э.
– 11 в. до н.э.

Гомеровский
период – 11
— 9 вв. до н.э.

Архаический
период – 8
— 6 вв. до н.э.

Классический
период – 5
– 4 вв. до н.э.

Эллинистический
период –
кон 4 в. – 1 вв. до н.э.

О музыке Древней
Греции можно судить преимущественно
по памятникам литературы (художественной
и научной) и изобразительного искусства.
Уцелели лишь некоторые фрагменты
собственно музыкальных памятников –
лирических и погребальных песен, 12 строк
гимна радости в честь бога Аполлона и
др.

Слово «музыка»
в переводе с греческого буквально
означает «искусство
муз». В
древнегреческой мифологии музы –
богини, покровительницы искусства и
науки. Их девять:

Урания –
покровительница
астрономии

Клио – истории

Каллиопа –
эпической
поэзии

Эрато – любовной
поэзии

Эвтерпа –
лирической
поэзии (музыки)

Полигимния –
священных
гимнов

Мельпомена –
трагедии

Талия – комедии

Терпсихора –
танца.

Возглавлял группу
муз Аполлон
– древнегреческий
бог, покровитель знаний, науки и искусства.
Все музы – сёстры, и в их родстве
заключается глубокий смысл: миф в
образной форме отражает суть реальных
явлений. В Древней Греции музыка возникает
не как самостоятельное искусство, а в
триединстве: поэзия – музыка — танец.
Во главе – поэзия, музыка сопровождала
её всего несколькими звуками на лире
или кифаре. Вот почему Эвтерпа, Эрато,
Каллиопа и Полигимния олицетворяли
собой не отдельные искусства, а разные
жанры внутри
музыкально-поэтического
искусства.
Песни и гимны вначале сопровождались
танцем. Музы театра – Талия и Мельпомена
– также олицетворяют союз разных
искусств. В греческом театре музыка
была обязательным элементом, актёры
произносили свои роли нараспев. Важное
значение имел хор, раскрывавший слушателям
смысл происходящего действия.

Древнегреческая
трагедия,
соединившая в себе драму, танец и музыку,
возникла на основе дифирамба
– гимна в
честь бога вина и веселья Диониса
(у римлян –
Вакх).
Его сопровождала свита – менады
(вакханки) с бубнами, плющом или змеями
в волосах, сатиры
– полулюди с козьим хвостом и лошадиными
ушами, нимфы,
музыканты и танцоры. Во время Дионисий
(праздник в честь бога Диониса) участники
надевали козлиные шкуры, рога, бороду,
изображая спутников Диониса. Поэтому
термин «трагедия»
(«трагос» — козёл, «одэ» — песня) в переводе
с греческого означает «песнь козлов».
Во время Дионисий хор исполнял дифирамбы.
Из хора впоследствии выделился запевала
(корифей).
Между хором и корифеем возник диалог,
затем появился первый, второй и третий
актёры. Так постепенно хоровая песня
превратилась в драму, известную в Греции
в трёх видах – трагедия,
комедия,
сатировская
драма. Термин
«комедия»
от греческого «комос» — праздничная
процессия и «одэ» — песня. В комедии
текст часто сопровождался игрой на
кифаре, в спектакль вводились народные
песенные мелодии, пляски, хороводы
ряженых шутников. Наиболее выдающиеся
авторы древнегреческой трагедии — Эсхил,
Софокл, Еврипид, комедии
– Аристофан.

Древнегреческая
музыка была преимущественно вокальной
и одноголосной,
так как была тесно связана с поэзией.
Метр стиха определял ритм музыки.
Господствовало хоровое
мужское пение. Понятие «необразованный»
означало «не умеющий петь в хоре». Платон
определял музыку как «искусство управлять
хоровыми коллективами».

Большое место в
древнегреческой музыке отводилось
гимнам —
песнопениям
в честь богов: Аполлона (номы), Артемиды
(парфении), Диониса (дифирамбы, фаллики)
и т.д. Древнейший ритуал жертвоприношений
представлял собой синкретическое
музыкально-танцевальное действо. Аэды
и рапсоды
были одновременно поэтами, композиторами
и певцами, аккомпанировавшими себе на
каком-либо струнном инструменте.

Сохранившиеся
сведения о различных жанрах народных
песен (георгики
— крестьянские, эпиталамы
и гименеи
— свадебные, трены
– плачи и др.) свидетельствуют о развитом
музыкальном
фольклоре.
Из народного музыкально-поэтического
искусства берёт свои истоки профессиональное
искусство древнегреческой хоровой
и сольной лирики
(первоначально лирика
– песня под лиру).

Наиболее
распространёнными жанрами хоровой
лирики были элегии
и оды.
Элегией первоначально
называлась
жалобная песня под флейту, игрой на
которой сопровождались причитания по
умершим. Впоследствии элегией стали
именовать стихотворение либо музыкальное
произведение (вокальное или инструментальное)
задумчивого, печального характера.

Высшего расцвета
хоровая лирика достигла в одах
— песнопениях,
создававшихся
в честь победителей на Пифийских,
Олимпийских и других играх. Отсюда
торжественность, приподнятость
настроения, особое строение оды: в центре
– легендарное повествование, обрамлённое
воспеванием победителя (трёхчастная
форма: строфа—антистрофа—эпод).
Классическим
образцом древнегреческой оды могут
служить творения Пиндара
(VI-V
вв. до н. э.).

В конце VIII
– начале VII
вв. до н.э. на острове Лесбос образуется
музыкально-поэтическая школа, имевшая
особое значение в развитии сольной
лирики (Сафо, Алкей, Анакреон). Там
возникает школа кифаристов во главе с
Терпандром.

Роль инструментальной
музыки в
Древней Греции была менее значительной,
нежели вокальной. Вначале инструменты
использовались для аккомпанирования
пению. Распространение получили:

Кифародия –
сопровождение
пения игрой на кифаре
(струнный щипковый инструмент, родственный
лире. Количество струн – от 4 до 18);

Лиродия – на
лире;

Авлодия – на
авлосе (род свирели) – обычно сопровождала
военные действия, гимнастические
упражнения, трагедийные хоры.

В области сольного
инструментального исполнительства —
авлетика и
кифаристика (игра
на авлосе и кифаре соло, без пения).

Появляются следующие
жанры: авлодический и кифародический
номы
(песнопения в сопровождении авлоса или
кифары), авлетический и кифаристический
номы (виртуозные пьесы для солирующих
авлоса или кифары).

Популярным духовым
инструментом Античности была «флейта
Пана» — набор
трубок разного размера, из которых
каждая давала лишь один тон.

Хоровая и сольная
лирика, трагедия и комедия, инструментальная
музыка – все эти виды искусства включались
в Пифийские
игры (названы
в честь Аполлона, победившего дракона
Пифона), на которых, наряду с атлетами,
выступали поэты, певцы, музыканты.
Победителей награждали лавровыми
венками.

В Древней Греции
применялась буквенная
нотация.
Древнегреческая музыка была, в принципе,
одноголосна, но при инструментальном
сопровождении напевов и дифференциации
вокальных партий возникало гармоническое
звучание отдельных интервалов. Основой
ладового мышления древних греков были
разные виды тетрахорда.
Греки определяли ритм
как мужское
начало, а мелодию
– как
женское.

В Древней Греции
развивались также музыкальная
теория и музыкальная эстетика,
находившиеся в глубокой связи с античной
наукой и философией. Пифагор
и пифагорейцы
научно сформулировали ряд акустических
законов музыки. Аристоксен
стал главой школы гармоников,
которые исходили в анализе музыкальных
явлений из чувственно-слухового
восприятия музыки, в отличие от каноников
– сторонников абстрактно-математических
построений. Они являлись последователями
Пифагора, который полагал, что в основе
музыки, как и всего мироздания, лежат
числовые соотношения. Аристоксен осознал
необходимость темперированного
строя (почти на два тысячелетия
предвосхитив его появление), в то время
как пифагорейцы настаивали на «чистом»
пифагорейском
строе,
осуществляемом в точном соответствии
с математическими соотношениями
интервалов, но резко расходившемся со
слуховым восприятием.

Пифагору принадлежит
учение о «гармонии
небесных сфер».
Он считал, что акустические соотношения
музыкальных звуков аналогичны соотношениям
расстояний небесных светил, и движение
светил должно рождать музыкальные звуки
– «гармонию
небесных сфер», «гармонию мира».
Вот почему древние греки поместили
Уранию среди муз, покровительниц
искусства.

Этическую
концепцию музыки (учение о музыкальном
этосе – от
греч. «нрав», «характер»)
разрабатывали многие античные учёные,
в т. ч. Платон
и Аристотель.
Исходное положение этого учения сводилось
к установлению причинной связи между
характером, складом музыки и душевными
переживаниями, которые музыка способна
вызывать.

Соседние файлы в предмете [НЕСОРТИРОВАННОЕ]

• #
• #
• #
• #
• #
• #

Музыкальная культура античности, средневековья и эпохи возрождения Музыка античности

Музыкальная культура античности, средневековья и эпохи возрождения

Музыка античности

Наиболее ранним историческим этапом развития европейской музыкальной культуры принято считать античную музыку, традиции которой берут свое начало в более древних культурах Ближнего Востока, но не повторяют их путь. Однако в настоящее время сделать какие-либо выводы о музыкальной культуре античности затруднительно. Дело в том, что в распоряжении музыковедов имеются лишь единичные образцы древнегреческой и древнеримской музыки. Найдено всего 11 образцов музыки (в основном гимны и оды), относящихся к античной эпохе, и по ним, увы, невозможно отразить направление музыкального процесса того времени.

Музыкант, играющий на двойной флейте.

Роспись на древнегреческой вазе (V век до н. э.)

Музыкальные исполнители являются героями многих древнегреческих мифов, воспевающих волшебную силу этого искусства (мифы об Орфее, гомеровский эпос). Изображения музыкальных инструментов обнаружены при археологических раскопках на территории Древней Греции и Рима. Упоминания о певцах и музыкантах-виртуозах, играющих на различных инструментах (кифара, тибия, лира, вавилонская волынка, орган, труба, систр), содержатся во многих литературных источниках.

Следует заметить, что в системе наук античности музыка занимала значительное место, была предметом обсуждения философских и эстетических работ, написанных Пифагором, Аристотелем и другими известными мыслителями того времени.

Кифара

Важнейшим свойством культуры Древней Греции и Древнего Рима (как и других древних культур) является существование музыки в единстве с другими видами искусства. Поэты с острова Лесбос сопровождали свое пение игрой на лире (отсюда, кстати, ведет свое происхождение слово «лирика»). Античная трагедия вообще немыслима без музыки: диалоги в ней переходили в напевную речитацию и пение, каждый эпизод завершался хоровым номером. Естественно, что при таком положении дел драматургу приходилось выступать и как поэту, и как музыканту, и как режиссеру, а иногда и как актеру. Разделение этих профессий произойдет значительно позднее.

Аполлон с кифарой.

Роспись на древнегреческой вазе (V век до н. э.)

В конце рассматриваемой эпохи отмечается медленное угасание античной культуры, что в свою очередь обусловило становление и развитие традиций христианского искусства. Причем принципы последнего зачастую были прямо противоположны эстетическим взглядам, музыкальным формам античности и во многом приближались к культуре Средневековья, на традиции которого влияла церковь.

Лира

Одним из самых замечательных музыкантов этого периода являлся святой Амвросий, епископ Миланский. Он родился в Трире (в Галлии) в 333 году. Получив воспитание в Риме, он в 369 году по воле императора Валентиниана стал наместником Северной Италии с резиденцией в Милане, а в 374 году был рукоположен в сан епископа Миланского.

Амвросий сыграл немаловажную роль в истории церковной музыки. Сообразуясь с принципом, что единая церковь Христова должна стремиться к единству в богослужении, епископ вводил во всех церквах единообразное духовное пение. Для осуществления этой цели он установил четыре лада, заимствовав их из древнегреческой музыки и использовав их в качестве стержня для церковных мелодий.

С тех пор лады, выбранные епископом, стали называться его именем, т. е. амвросианскими, и рассматриваться как основа всего христианского пения. Построенные на них мелодии именуются тропами, а само пение (только диатоническое) – амвросианским.

Святой Амвросий

Характер каждого лада зависел от местонахождения полутонов. Ритм пения – от размера долгих и кратких слогов текста, что обуславливало его схожесть с древнегреческим. Амвросианское пение быстро распространилось по всем христианским церквам. В дальнейшем система амвросианских ладов была расширена Папой Григорием Великим.

Амвросий является не только составителем духовных песен, но и одним из первых композиторов духовной музыки. Он умер в 397 году и был похоронен под алтарем Амвросианской базилики. Останки его открыли в 1871 году, а спустя два года их признали за истинные мощи.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

top of page

bottom of page

В самые архаичные времена признавали магическую роль музыки. Например, на острове Крит была хоровая песня пеан, ее считали целительной (Пеаном звали врача всех богов, Пеан был также одним из эпитетов Аполлона).

Пение было тесно связано с прорицанием. Прорицания давались музыкально — так было «убедительнее». Музыкой была наполнена природа, с музыкой были связаны мифологические существа (тритоны трубили в раковину, сирены пели, завлекая моряков на верную погибель).

Музыка входила в обязательное образование граждан, развивалась теория и философия, проводились состязания певцов (самые почетные — Пифийские игры). Ни одно дело без песни не обходилось, начиная с застолья, свадьбы («О, Гименей»), кончая войнами (вооруженный муж нуждался в песне) и лечением болезней.

К дошедшим до нас сведениям об известных древнегреческих музыкантах следует добавить Тиртея (VII в. до н. э., афинянин, специально посланный в Спарту воодушевить спартанцев военными песнями), Фалета (VII в. до н. э.) — критского философа (спас своими песнями Спарту от смуты, а также, по преданию, музыкой исцелил от чумы целый город).

Музыкантов-певцов в античности было много, и роль они играли огромную. Передавались древние песни изустно, впоследствии греки записывали звуки при помощи букв. А слово «гамма» — от греческой буквы «гамма» (Γ, γ).

Музы

Слово «лирика» происходит от слова «лира» (музыкальный инструмент). Слово «музыка» (а также слово «музей») — от слова «музы».

Музы — богини, покровительницы искусств и наук. Музы претерпевали изменения, но многим могут быть знакомы имена: Талия, Терпсихора или Клио.

Аполлон

Так во весь день до зашествия солнца блаженные боги
Все пировали, сердца услаждая на пиршестве общем
Звуками лиры прекрасной, бряцавшей в руках Аполлона,
Пением Муз, отвечавших бряцанию сладостным гласом.
Гомер, «Илиада»

У древних греков существовало неразрывное единение слова, музыки и танца, поэтому музы часто «взаимопересекающиеся». А руководил музами, естественно, бог по имени Аполлон, сын Зевса. Его рождение провозгласили лебеди, воспев его нелебединой песней. То есть уже было давным-давно известно, что лебеди сначала поют лебединую (то есть последнюю) песню, затем — умирают. А те лебеди и не подумали умирать, они спели «нелебединую» лебединую песню, и родился Аполлон.

У Аполлона было много функций и много эпитетов, один из важнейших — руководитель муз: Музагет или Мусагет. Священным деревом муз считался лавр, отсюда лавровый венок, которым награждали победителей. У Игоря Стравинского есть балет «Аполлон Мусагет», сюжет — о рождении Аполлона и его первом знакомстве с музами.

Имя Аполлон плавно перешло в космическую эру (серия американских космических кораблей), стало смешливо-нарицательным для «красивого мужчины», часто упоминается в литературе:

Или для вас Аполлон Бельведерский
Хуже печного горшка?
Н. Некрасов «Железная дорога»

Трагедия

Свершилось страшное…
Еврипид, трагедия «Орест»

Если открыть книги величайших трагиков Эсхила, Софокла и Еврипида, можно встретить важнейшее «действующее лицо» — хор. Хор представлял народ, комментировал происходящее, выражая общую мораль того времени. И выражал он это не только словесно, но и музыкально. Это было или пение, или мелодекламация.

Сама трагедия выросла из культа бога Диониса (он же в латинском варианте — Бахус) и буквально переводится как «песнь козлов». Козел — важнейший «участник» культа бога Диониса.

Дионисизм означает освобождение беспредельного влечения, взрыв необузданной динамики животной и божественной природы; поэтому в дионисийском хоре человек появляется в образе сатира, сверху — бог, снизу — козёл.
К. Г. Юнг, «Психологические типы»

Гармония сфер

Если умышленно упростить то, что нужно сказать, получится следующее. Существовало два подхода к музыке. В одном преобладало мистическое или магическое начало, в другом — идейное.

Пифагор (570−490 гг. до н. э) известен не только по своей теореме, которую многие помнят по урокам геометрии в школе. Знаменитый математик, мистик и философ был одним из первых теоретиков музыки: «поделил» струну, разработал учение об интервалах на основе чисто математических соотношений («монохорд» Пифагора). По свидетельствам, Пифагор любил распевать песни Фалета.

Пифагор создал целую музыкально-теоретиченскую школу, основанную на вопросах акустики. Пифагорейцы придавали числам и пропорциям магическое значение, выводя из них, в частности, магически-целебные свойства музыки. Пришли они и к идее «гармонии сфер» (Musica mundana или Musica universalis), считая, что небесные светила должны при движении звучать. Эта «гармония сфер» происходит оттого, что каждое небесное тело, в зависимости и от скорости вращения, и от расстояния от Земли, издает звук определенной частоты. А все вместе — особую звучащую систему. Вселенная для них звучала музыкой.

Идею «гармонии сфер» развивали и в древнем Риме (политик и философ Цицерон представлял себе до — как Венера, ре — как Солнце, ми — как Марс и так далее). Эти идеи были восприняты Средневековьем, в дальнейшем они перешли к оккультистам.

Последователи Пифагора назывались «канониками». С «канониками» спорили «гармоники» — школа Аристотеля. Развивая учение о «гармонии сфер», Платон и его ученики большое внимание уделяли «общественной» роли музыки. О музыкальных ладах можно много прочитать у Платона и Аристотеля в трудах, исключительно музыкально названных: «Государство», «Политика».

Платон и Аристотель

Платон (428 или 427 до н. э. — 348 или 347 до н. э.) выдвинул учение об этосе — некое объединение политики, этики и музыки. В идеальном государстве по Платону музыка играет самую важную роль в воспитании. Платон даже определил музыкальные лады на свой вкус, отвергая те, которые «носят жалобный и расслабляющий характер».

Развил учение Аристотель (ученик Платона). Он считал, что музыка нужна ради воспитания, ради очищения и только в последнюю очередь — ради развлечения. Музыка формирует нравственность — настаивал Аристотель. Что бы он сказал, прослушав некоторые перлы из российской эстрады?

Аристоксен (360 до н. э.) был учеником Аристотеля, известны его работы «Элементы ритмики» и «Элементы гармоники». Общую теорию музыки подытожил александрийский ученый Клавдий Птолемей.

Рим

О развитии музыкального искусства в Древнем Риме судить несколько труднее, чем о характере музыки в Древней Греции. Но музыкальная жизнь была чрезвычайно интенсивной, она также сопровождала любые проявления человеческой жизни — от возвышенных до самых обыденных.

Известен случай с Юлием Цезарем, который увидел во сне пастуха, играющего на свирели. Неожиданно к пастуху присоединились воинские трубачи. Цезарь проснулся и произнес знаменитое: «Жребий брошен!» (то есть он решил перейти Рубикон).

Известный многим император Нерон выступал как певец. Безжалостный и жестокий властитель Рима сильно нервничал перед своими музыкальными выступлениями. А когда астрологи предсказали Нерону, что он будет низвергнут, тот ответил: «Прокормимся ремеслом», — имея в виду игру на кифаре.

Наступала новая эпоха — эра христианства. Наступала и новая эпоха в музыке, о чем можно прочитать в следующий раз.

Музыка Древнего Египта

Еще в третьем тысячелетии до нашей эры музыка играла важную роль в существовании одной из древнейших человеческих цивилизаций. Древние египтяне называли музыкальное искусство «радостью» и с успехом применяли его в религиозных обрядах и обыденной жизни.

Как и представители древнейшей вавилонской цивилизации, египтяне развивали теорию взаимосвязи семи нот и семи планет Солнечной системы.

Важнейшее значение в древнеегипетском музыкальном искусстве уделялось вокалу. Кроме того, еще во времена правления Нефертити, Тутанхамона и Рамзеса были изобретены новые музыкальные инструменты, среди которых – пришедшая в наше время сквозь тысячелетия арфа.

«Небесная гармония сфер». Народная музыка Древней Греции

Античность как период и музыкальное искусство Древней Греции стало мощнейшим толчком в эволюции всей европейской музыки. Приблизительно за 2,5 тысячи лет существования древнегреческой цивилизации появилось множество новых и достаточно сложных в изготовлении музыкальных инструментов. Новинки были разнообразны. Среди струнных инструментов можно выделить лиру, формингу, кифару, барбитон. Среди духовых инструментов – трубы, сиринги и авлос, а среди ударных – кимвала, тимпан и систр.

К древнегреческой цивилизации относят и появление первого водяного органа – гидравлоса. Опередивший свое время инструмент стал очень популярным в Средиземноморских странах. Предок средневекового органа стал впоследствии любимым инструментом римского императора Нерона.

Важнейшие открытия Пифагора в области звука как физического явления оказались невероятно важными и в музыкальном искусстве. Изучение взаимосвязи звуковых последовательностей и математических величин позволило создать систему гармонии и определить основные типы гамм. Пифагор пошел дальше: основываясь на собственных исследованиях и трудах древних вавилонских ученых, он вывел теорию космической гармонии, в которой известные планеты издавали звуки согласно нотам в гамме. Высокие звуки в «космической симфонии» принадлежали Земле, низкие – Луне и так далее.

Главным вкладом великого древнегреческого математика в эволюцию музыкального мира стало учение о пропорциях звуков. С помощью экспериментов над струнными инструментами Пифагор определил числовые значения музыкальных интервалов. К примеру, интервальный коэффициент октавы составляет 2/1, квинты – 3/2, кварты – 4/3. Отсчитывая музыкальный интервал от исходного звука, математик смог получать числовое значение любого звука хроматической (диатонической) гаммы.

В дальнейшем музыкальная математическая теория Пифагора и ее этическая составляющая получили развитие в трудах великих ученых Древней Греции и Рима Аристотеля, Платона, Никомаха, К. Птолемея.

Завершая краткий обзор музыкального искусства Древней Греции, стоит упомянуть о великих драматургах той эпохи. Спектакли Эсхилла, Софокла, Еврипида, естественно, не обходились без инструментальной музыки, да и сами авторы были прекрасными танцорами и музыкантами.

п

Античность. Музыка Древнего Рима

История сохранила крайне мало сведений о музыке раннего, «республиканского» Древнего Рима. По большому счету, музыкальное искусство Древнего Рима было неплохо «скопировано» у завоеванной во II веке до н.э. Древней Греции. Были ассимилированы музыкальные инструменты и стили исполнения. В Риме также обрело популярность исполнение поэтических произведений в виде песнопений, Гораций, Вергилий, Овидий выступали под музыку тибий и кифар.

Сохранились имена великих музыкантов той эпохи: Диодор, Терпний, Менекрат, Месомед, Тигелий, Анаксенор. Многие музыкальные теоретики эпохи Древнего Рима отмечали, что греческие спектакли, поставленные на службу римскому искусству, потеряли глубину и пафос, стали простыми развлекательными представлениями.

Таким образом, музыкальное искусство Древней Греции оставалось на многие века базовым для музыкального искусства цивилизованных народов Европы вплоть до расцвета христианской культуры.

МУЗЫКАЛЬНОЕ ВОСПИТАНИЕ И ОБРАЗОВАНИЕ

                   В  ЭПОХУ АНТИЧНОСТИ

Куличкова Ольга Александровна

                                                         ПЛАН

I. Музыкальная культура и образование в Древней Греции

    1. Музыкальная культура

    2. Музыкальное образование. Учение об этосе.

II. Теория музыкального воспитания Платона

III. Теория музыкального воспитания Аристотеля

IV. Музыкальная культура и образование в Древнем Риме

Заключение

Список литературы

   I.  Музыкальная культура и образование в Древней Греции

                                    I.1.  Музыкальная культура 

Музыкальная культура Древней Греции образует первый исторический этап в развитии музыкальной культуры Европы. Она является высшим выражением культуры Древнего мира. Музыкальная культура античной Греции, обладает собственным неповторимым обликом, своими бесспорными достижениями.

     В отличие от других видов искусства музыка античного мира не оставила в истории равноценного им творческого наследия.  На протяжении  восемь веков — от V века до н. э. по III век н. э. — рассеяны всего одиннадцать образцов (частью во фрагментах) древнегреческой музыки, которые сохранились в нотации того времени. Но расшифровка их практически невозможна, так как утерян слуховой опыт, а знаковая система значительно отличается от современной нотации.

В то же время — сколь это ни парадоксально — ни об одном искусстве так много не писали и не рассуждали, как о музыке, о ее воспитательном назначении, о ее теоретических основах. С одной стороны, музыка занимала очень большое место в жизни древних греков и являлась средством воспитания гармоничного человека; с другой же — суждения о ней исходили из дидактического или научно-систематического понимания, где музыка рассматривалась как точная наука.

     Важнейшим свойством музыкальной культуры Древней Греции является сенкретизм – единство музыки с другими видами искусства: поэзией, танцем и театральным действием (трагедией).

     Античное музыкальное мышление имеет длительную историю развития. В памятниках античной литературы отражены космологические и магические представления о музыке: о ее связи со временем года, с первоэлементами, с жизнью животных, растений. Эти сферы мироощущения человека, отразившиеся в античной мифологии, в дальнейшем были переработаны и развиты в учении об этосе.

   Мифологизм мышления древних греков воплотился в легендах о происхождении, значении и воздействии музыки на человека, где  она осознается как магическая сила. История начала древнегреческой музыки, возводившейся к богам, переплетена с легендами о великих мифических музыкантах — Орфее, Олимпе, Марсии. Эти мифы прославляют  чудодейственную и магическую силу музыки. А в «Одиссее» Гомера действуют  уже певцы — аэды (профессиональный сочинитель эпических песен, который пел в сопровождении кифары или форминги -щипковый инструмент типа лиры).

          Древнегреческая мелика – (песнь) исполнялась в сопровождении струнного инструмента кифары или форминги. Различали сольную песнь  и хоровую лирику.                                                                                                                                                

          Основными формами хоровой лирики были:

• пеаны — «песнь-гимн» для общенародного торжества в честь бога Апполона (прозвище  Мусагет – предводитель 9 греческих муз);
• эпиникии  — песнь в честь победителя  спортивных соревнованиях (высшего подъема хоровая лирика достигла в эпинихиях Пиндара);
• дифирамбы  — гимн, входивший в состав культа бога Диониса;  
• гипорхемы — песни в сопровождении танцев, изображающие мимическую сценку из мифа.

           Ведущими музыкальными инструментами Древней Греции были струнные — лира и кифара. Греческая лира — это деревянная фигурная рама, на которой вертикально натянуты струны (не больше четырёх, которые воспроизводят тетрахорд).  Кифара во многом схожа с лирой, но  число струн может доходить до восемнадцати. Звучание кифары пробуждало возвышенные чувства, а самым искусным исполнителем на ней считался бог Аполлон.

          Широко распространены были и духовые инструменты. О происхождении флейты рассказывает древнегреческий миф. Изобрела этот инструмент богиня Афина. Однако, увидев, как безобразно раздуваются щёки при игре, Афина бросила флейту и наложила проклятие на каждого, кто прикоснётся к ней. Флейту подобрал сатир Марсий и выучился играть. Он  достиг необычайного мастерства и вызвал на состязание самого Аполлона. Бог, игравший на кифаре, победил, а  Марсия  казнили. Так кифара и флейта — оказались противопоставлены друг другу. Причём кифара олицетворяла божественное вдохновение, а флейта — земное начало, в котором сочетаются: мастерство, вызывающее восхищение, и страсть, таящая в себе неведомые опасности.   

          Среди ударных использовались бубен, кимвалы (металлические тарелки), систр и специальный инструмент для танцев, похожий на испанские кастаньеты. В изображениях эти  инструменты часто держали нимфы — спутницы бога виноградарства Диониса.

          Звучал в Древней Греции и еще один духовой инструмент — авлос Его можно считать прототипом современного гобоя, кларнета и др. Как правило, музыкант играл сразу на двух авлосах, получая тем самым возможность исполнять двухголосную музыку. Считалось, что яркое, даже резковатое звучание инструмента разжигает темперамент и чувственность.

          Пользовалась популярностью у греков и многоствольная флейта, состоящая из нескольких трубок разной длины. Этот инструмент известен многим народам, в частности с древнейших времён китайцам. В Греции такую флейту называли «флейта Пана», или «сиринга». Согласно мифу, создал её Пан — божество стад, лесов и полей. Он влюбился в лесную нимфу Сирингу, но внушил красавице только ужас. Чтобы спастись, она бросилась к реке, и речные нимфы превратили её в тростник. В тоске по Сиринге Пан срезал тростник и сделал из него флейту. Новый инструмент он назвал именем своей возлюбленной — сиринга.                                                

          Но в IV веке до н.э.  начинает развиваться сольная игра на этих инструментах. Развивается профессионализм, растет виртуозность, вводятся новые приемы игры, усложняются музыкальные инструменты. И тем не менее, музыка без поэтического слова, вне пластики или театрального действия, не завоевала в Древней Греции общественного признания.                       

          Музыка играла важную роль в жизни древних греков. Она звучала во время свадеб, застолий, войн, похорон,  религиозных праздников, а так же  театральных представлений.

           Так, историческая песня зародилась в повседневном труде (песни ткачей, лекарей и т.д.) Ритм, темп работы поддерживала хоровая песня. Она способствовала согласованности действий людей, поэтому ее текст состоял из чередующихся ритмичных восклицаний и выкриков. Точные тексты, а тем более мелодии,  не сохранились, так как передавались изустно,  но аналогичные текстам источники можно найти в поэтическом творчестве IV — II вв. до н.э.

    В древности инструментальное сопровождение использовалось только в культовых церемониях, но со временем, из мистерий (обряды тайных религиозных культов, к которым допускались посвященные), посвященных Дионисию, возник такой синтез музыкально-поэтических жанров, как театральные представления: комедия, трагедия. Поэтому музыка античности выполняла важную драматургическую функцию в древнегреческой трагедии, где все тексты произносились актерами распевно и чередовались с сольным или хоровым пением в сопровождении авлоса и кифары. Авторы этих представлений сочетали в одном лице драматурга, поэта и композитора-мелодиста. Особенно славился Аристофан своим умением искусно подбирать хоровые партии к комедиям.    

        Развитие вокального и танцевального искусства также связано с Великими Дионисиями, посвящавшимися богу веселья. Празднества начинались пением дифирамбов, жертвоприношениями, сопровождаемыми пением хора. На праздниках происходили соревнования хоров, поэтические состязания, участники которых аккомпанировали себе на арфе, кифаре. Для постановки приглашались музыканты-профессионалы.  Разучивание вокальных партий осуществлял хородидаскал — педагог и постановщик одновременно.

                 II.2. Музыкальное образование. Учение об этосе.

     На протяжении многих веков в Древней Греции разрабатывались вопросы музыкальной теории и эстетики. И постепенно новые этические воззрения заменили господствовавшие до этого космологические и магические представления о воздействии музыки.  Так новое музыкально-теоретическое воззрение отразилось в учениях об этосе, акустике и ладах.       

    Учение об этосе – это учение о связи музыки с темпераментом, характером и способностями человека, а также  влиянии музыки на эмоциональную природу и процесс воспитания личности.

          Это учение легло в основу всей педагогической теории греков классической эпохи. Синонимом понятия «образованный человек» стало «мусический» — получивший знания во всех видах искусства.                                                                                                                                                    

          Музыка античной Греции не знала многоголосия в современном его понимании. Многообразие музыкального мира основывалось на развитой системе мелодических ладов.                                                                                                                                            

          В основе музыкальной системы греков лежит тетрахорд (от греч. «тетра…» — часть слова, означающая «четыре», и «хорде» – «струна») — четыре последовательных звука, нисходящие от первого к последнему. При соединении двух тетрахордов образуется звукоряд в пределах октавы, который, в зависимости от повышения или понижения одного из звуков, приобретает различную эмоциональную окраску.

      На такой основе возникли лады: дорийский, фригийский, лидийский и др. Лады у греков, вместе с мелодией и ритмом, считались носителями определённого характера (этоса) и настроения.  А так как, считалось, что важнейшее свойство музыки – это воздействие ее на психику человека, его внутренний мир, следовательно, чтобы вызвать у слушателя нужный отклик, использовали тот или иной лад, мелодический рисунок и ритм.

  Так дорийский лад греки считали  мужественным и строгим, создающим равновесие в душе человека, фригийский – ладом возбуждения, страсти и вакханалии, а лидийский – напротив — жалобным, скорбным и интимным.Совершенными считались лады, способствовавшие развитию мужественности. Учение о ладах подытожил Клавдий Птоломей.

    Исходя из различного интервального состава тетрахордов, принято различать три наклонения: диатоническое, хроматическое и энгармоническое. Использование хроматических и энгармонических наклонений наряду с диатоническим отличает древнегреческую музыку от позднейшей европейской с ее господством диатоники. Богатство возможностей мелодического интонирования выражалось в многообразных смешениях наклонений, во введении интонационных окрасок,  не фиксировавшихся как особые наклонения.

    Итак,  тетрахордность пришла на смену трихордным формам со структурой полтона и тон.  Впоследствии происходила хроматизация диатонического тетрахорда. Ладовые образования более высокого порядка возникали как объединения тетрахордов. Использовались два принципа объединения: слитное, с совпадением смежных звуков в тетрахордах) и раздельное, когда смежные звуки разделены целым тоном. Полный вид древнегреческой ладовой системы представлял собой «совершенную систему».              

    Идентичность октавы отражает тетрахордовый принцип внутреннего строения системы. Существовал особый вариант «совершенной системы»- тетрахорд (соединенный) d — с — b — а, расширяющего объем системы. При перенесении совершенной системы на другие ступени получались так называемые транспозиционные гаммы, с помощью которых можно было в пределах диапазона инструмента (лиры, кифары) получать различные ладовые звукоряды (тональности). При перестановке каждая тональность отдалена от другой на полтона. Всего образуется 15 тональностей: по пять низких,  средних и высоких.

          Разнообразное этическое воздействие музыки на человека эллины видели не только в ладах, но и в ритмике. В Древнегреческой музыке действовали ритмические формулы, позаимствованные из поэзии, — стопы – чередование кратких («хронос протос») и долгих долей (в 2,3,4,5 раз длинней коротких). Стопный ритм обеспечивает ощущение времени. Такую ритмики называют квантитативной (счётной, количественной). Для музыкального письма использовали буквы греческого и финикийского алфавита.                

           ПЕРВАЯ ОСОБЕННОСТЬ АНТИЧНОГО ОБРАЗОВАНИЯ – это связь  музыки с жизнью человека. Музыка снимает боль, формирует нрав и характер в соответствии с идеалами эпохи. Поэтому именно музыка признавалась наиболее пригодной для воспитания, забота о котором должна быть делом государства.                                                                                                                                                    

    Проблема общего образования, теснейшим образом была связанная с музыкальным образованием и последовательно разрабатывалась философами  древнегреческого государства. Свидетельство тому — школы Сократа, Платона, Аристиппа и других, которые были скорее философскими форумами или «духовными академиями», где ученики и учителя блистали мудростью и красноречием. Ориентацию на развитие нравственных начал следует отнести к сильным сторонам образования в тот период.

     Заслугой античного просвещения стало вовлечение в науки и искусства значительного числа граждан и детей.  Едва ли не главной миссией педагогики считалось воспитание, поскольку от правильного воспитания зависело будущее страны. Сократ, Платон, Аристотель обосновывали законы образования и воспитания. Платон требовал от учителей «больше заботиться о благонравии детей, чем о грамоте». Школа эллинов создала свои традиции, некоторые  сохранились и до настоящего времени. Учителя пользовались творческой свободой. Жестких, строго регламентированных программ обучения не было. В некоторых городах педагоги находились даже на государственной службе. Важным считался результат, а не форма. Достигнутые успехи в воспитании и образовании оценивало общество. Примером в качестве наказания за «опасное воспитание» стала судьба Сократа которого заставили принять яд. В сфере образования греки предпочитали позицию Демокрита, а не Сократа. Сократ полагал, что невозможно быть мудрым во всем, «кто что знает, в том он и мудр». Демокрит же считал: «Мудрому человеку вся земля открыта».

    Древние  открыли возможность постижения калокагатии — совершенной и идеальной жизни. Воспитание калокагатии – (гармонии внешнего и внутреннего) — обусловливает красоту личности, формируемой путем соразмерного умственного, музыкального и физического развития.  Это учение становилось целью и смыслом жизни.

          ВТОРАЯ ОСОБЕННОСТЬ АНТИЧНОГО ОБРАЗОВАНИЯ – это органическая взаимосвязь нравственных норм и педагогики. Сократ видел смысл обучения  в том, чтобы «сделать граждан как можно лучше».  Еврипид, автор трагедий, то же был убежден, что «правильному образу жизни нужно учить». У других философов и педагогов «учебные программы» пронизаны мыслями о долге, нравственности, обязанностях человека и гражданина. Философы были учителями, а учителя философами. Безусловно, античная педагогика — педагогика нравственности.

         ТРЕТЬЯ ОСОБЕННОСТЬ –  это гармония духа и тела. В Греции важнейшим и обязательным средством воспитания была гимнастика — различные упражнения, бег, плавание, борьба и т.п. Педагогическая задача формулировалась Платоном следующим образом: тело не только должно быть обучено, оно должно слушаться «благородной души».                                  

   Новые воспитательные задачи решали странствующие учителя, называвшие себя софистами, т.е. мудрецами и учителями мудрости. Именно им принадлежит заслуга в разработке факторов эффективности учебного процесса, а также идея раскрепощения личности. Так, софист Протагор (ок. 480-410 гг. до н.э.) полагал, что мерой всех вещей должен быть человек, а не какое-либо высшее существо; именно развитие всех природных задатков обеспечивает самоопределение (автономию) личности. Софисты стремились 1) расширит границы традиционного муз-го, литер-го и физ-го образования; 2) развить диалектику, учившую искусству спора и 3) развить риторику для возможность преуспеть в красноречии. Софисты были не только носителями и распространителями нового содержания общего образования, но и инициаторами исследования педагогических проблем.      

    Сила античного образования состоит в всепроникающем, могучем воздействии.   Знаменитые слова афинского оратора и учитель риторики  Исократа  (436-338 гг. до н.э.) – «Благодаря эллинской культуре имя «эллин» означает уже не происхождение, а духовный склад; эллинами теперь называют уже не людей, связанных кровным родством, а приобщившихся к нашему просвещению».

      В те времена певцы и музыканты не имели профессионального образования; их искусство основывалось на импровизации. Музыкальные школы появились во времена Аристоксена. Создание первой музыкальной школы, основателем которой стал поэт Архилох, относится примерно к 650 г. до н. э.  Мальчики и девочки обучались отдельно: первые — с семи лет под опекой отца или наставника, вторые под руководством матери.

Считалось, что каждому надо иметь трех учителей: грамматика, кифариста и педотриба.                                                                                                                                 

                  II. Теория музыкального воспитания Платона

     Платон (428-348 гг. до н.э.) – древнегреческий философ, который развивал теорию об этосе. В своих  работах «Государство», «Законы» и др. он уделял особое внимание проблеме музыкального воспитания и образования. Основой системы государственного воспитания он считал музыку и гимнастику как средства всестороннего, гармоничного формирования личности, и занятия ею являлись обязательными для всех.

              Музыка рассматривается как морально-жизненная тренировка человека, организованного и владеющего собой. В отличие от прочих искусств именно музыка особенно близка душевным переживаниям человека и наиболее полно способна их передать. Музыкальное изящество — это источник высокого, чистого и совершенно иррационального наслаждения. Тем самым, он отмечал воспитательное воздействие музыки на душу человека. Выше для Платона было только искусство познания самого себя — философия.  

     Платон утверждал о необходимости соединения музыки и слова и отрицал чисто инструментальную музыку, которая, по его мнению, не способствует развитию разума, а пригодна лишь для скорой, без запинки ходьбы и для изображения звериного крика                                                                                                                                                                          

      В своей работе «Государство» Платон классифицирует лады с учетом их воздействия на нравы и пользы для воспитания. Так, миксолидийский, лидийский и родственные им лады он  характеризует как «жалобные», «размягчающие душу» и подлежащие изъятию из практики музицирования. Ионийский и лидийский лады,  называет «расслабляющими» и подходящими больше всего для застолья, пробуждающими чувство неуравновешенности в людях. Свободнорожденному, же полезно слушать музыку во фригийском ладу, настраивающем на обдуманные действия. Но такая трактовка этого лада расходится с античной традицией, приписывающей ему неистовый, буйный, страстный, экстатический характер.

          Философское осмысление понятия «лад» у Платона — это не только соотношение звуков, различных по высоте, это воплощение гармонии, на которой основана Вселенная. «Лад», согласие должны присутствовать  и в жизни  человека,  стремящегося  к совершенству  духа, у которого слова созвучны с делами. Гармония в душе человека порождает гармонию поступков, гармонию в обществе и благополучие в государстве, ибо «гармония — это созвучие, а созвучие — это своего рода согласие… А согласие во «все…»  вносит именно музыкальное искусство, которое устанавливает … любовь и единодушие».                                                                                                      

     Серьезное отношение к образованию в Древней Греции также отражено в работах Платона, выдвинувшего постулат о том, что дети свободны от обязательств по отношению к родителям, если те не дали им возможность получить знания.

                   III. Теория музыкального воспитания Аристотеля

     Аристотель (384-322 гг. до н.э.), который был учеником Платона, считал, что одно из главных назначений музыки — познавательное и нравственно-воспитательное.

     В своей работе «Политика» он уделил большое внимание проблемам музыкального развития. Он считал, что эстетическое образование не должно быть самоцелью. Оно должно формировать цельного, гармоничного человека, прекрасного душой и телом.

     Вслед за Платоном Аристотель повторял, что «забота об этом воспитании должна быть заботою государственною». Аристотель четко определял цели музыкального воспитания. Музыка в жизни человека не является просто забавой и удовольствием: она дает отдых, являясь «лекарством от грусти».

    Музыкальное развитие также есть эстетическое воспитание,  так как музыка  способна воздействовать на психику человека. Музыкальное искусство должно служить становлению нравственности; оно способно изменить и очистить душу от разного рода аффектов. Музыка может восстановить в душе «строгость», «умеренность», «пристойность» чувств, она освобождает от власти всевозможных негативных эмоций.                                              

          Музыка, по системе Аристотеля, должна быть включена в обучение с детских лет. Но музыка благотворно будет влиять на подрастающее поколение, если оно будет не только пассивно слушать музыку, но и освоит игру на каком-либо инструменте. Но для музыкального воспитания должны быть исключены флейта, кифара.

    Аристотель поддерживал  мысли Платона о нераздельности песни, танца, аккомпанемента и о нравственно-воспитательном значении ладов и ритмов. Предназначение музыкального искусства он  видит в воспитании свободнорожденных и заполнении их досуга.

   Аристотель отличает добродетели этические (т.е. положительные нравственные качества характера — мужество, щедрость, великодушие, справедливость, дружбу) от дианоэтических. Не отрицая красоты и величия этических добродетелей, дианоэтические добродетели (созерцательная способность разума, мудрость, способность к искусствам и наукам) Аристотель ставит гораздо выше. Дианоэтические добродетели не являются врожденными способностями, они развиваются главным образом благодаря обучению, опыту и времени. Идеал Аристотеля — совершеннейшее познание истины.                                                                                                                                                  

     IV. Музыкальная культура и образование в Древнем Риме

    Образцы греческого искусства, которые были характерны для эпохи эллинизма, были не только восприняты в Риме, но получили здесь интенсивное развитие. Как и в Греции, в Риме связь поэзии и музыки была очень велика.

            В Римской империи увлечение музыкой было всеобщим. Сохранились сведения об удивительно интенсивной и даже пышной музыкальной жизни Рима эпохи расцвета. В Италии, как и в Греции, ни один праздник  не обходился без музыки, пения и танцев.

     И все же они  не были  так тесно связаны между собой, как это имело место в Греции. Поэтому возникает  музыка культовая, сценическая, аккомпанирующая и даже «концертная». Большое значение приобрела и военная музыка. В военных легионах существовали большие духовые оркестры. Широкое распространение получило и бытовое музицирование: до нас дошли тексты лирических песен, баллад.

     Но римляне не обладали такой музыкальностью, как греки, поэтому в их музыке заметны чужеземные влияния, проявившиеся в музыкальных жанрах и в инструментах.

           В Риме было всегда немало музыкантов-профессионалов и учителей музыки, но все они приезжали из Греции, или из греческих городов с юга Италии. В Риме вообще со временем становится обычным сосуществование музыкантов, представляющих разные художественные культуры: здесь и греческие кифареды, и сирийские виртуозки, и вавилонские виртуозы, и александрийские певцы, и андалузские танцовщицы.                                                                                                                                          

           Учителям пения ставились памятники. Виртуозы певцы и кифареды пользовались огромной славой,  всеобщим признанием и богатством. А знатные патриции содержали целые хоры и оркестры у себя в домах.

     Распространяя свою власть все шире в Европе и за ее пределами, Рим вовлекал в художественную жизнь самые различные музыкальные силы.  Из музыкантов, собранных отовсюду, составлялись большие и громкозвучные ансамбли, колоссальные хоры — для концертов, празднеств, пиров и пантомим. Кадры профессионалов непрерывно росли, пополняемые пленными иноземцами. Император Домициан учредил даже капитолийские состязания на Марсовом поле, на которое стекались певцы и инструменталисты со всего мира.  

     Однако, сопровождение чисто римских обрядов, аккомпанирование актерам в театре, поручалось римлянам. Музыканты пользовались привилегиями за участие в больших городских торжествах, особенно военные — симфониаки, и те, кто участвовал в религиозных церемониях. Скабиллярии («трещоточники»), которые на сцене задавали такт и руководили хором и танцами, чествовались наряду с выдающимися актерами. Известные музыканты и певцы стояли на одной ступени с представителями аристократии.                                                                                                  

      В общих школах дети начинали учиться с семи лет.  Девочки и мальчики обучались совместно. Состоятельная часть из них училась дома. Школы были частные, содержали их греки-вольноотпущенники.                                                                                                                                              

    Программа обучения  включала  чтение, письмо и арифметику.  Но в I в. н.э. Квинтилиан  выступил против домашнего обучения, где отсутствовал соревновательный характер в учебе. Он ратовал за изменение методов обучения: «что нужно учить — развлекая, играя, в соответствии с детским возрастом». Он говорил, что нельзя строить полноценный воспитательный процесс без знания музыки, с помощью которой можно освоить стихотворные размеры и ритмы. Школьное образования он видел как синтез  наук и искусств.

     Для родившихся в Риме детей рабов, в частности греков, была создана школа «Педагогигум», в которой занимались по той же программе, что и дети свободных граждан. Но учеба начиналась в ней с двенадцати лет и заканчивалась в восемнадцать лет.

          Музыкальное образование большинство римлян получало с детских лет.  Представители богатых семей обучались игрой на струнных инструментах, музыке под руководством домашних учителей, менее состоятельных — в школах, руководимых известными музыкантами и певцами. Профессия учителя музыки пользовалась уважением и почётом. В середине III в. до н.э. уже была известна школа Карвилия, где обучали музыке. Пению и игре на кифаре обучают детей в знатных семействах.

           Как правило, все музыканты одновременно и выступали публично, и учили других.  Аристократы обучались музыке, под руководством выдающихся педагогов. Например, император Нерон ввел так называемое греческое состязание, где сам выступал как поэт, певец и кифаред, причем он требовал, чтобы ему присуждали главные призы.                                        

    В Древнем Риме были известны секреты укрепления голоса, которые передавались от педагогов к ученикам. Ради сохранения голоса певцы соблюдали диету и недельный пост. «Постановка» голоса осуществлялась посредством выполнения ряда упражнений, укреплявших дыхательные мышцы. Так, Нерон (император в 54-68 годы) лежал на спине со свинцовым листом на груди.

     Музыкальные инструменты Древнего Рима были заимствованы у других народов, в особенности у греков. Из ударных – это был  кимвал, на котором играли и мужчины и женщины. В I в. н.э. из Египта пришел систр — трещотка, состоявшая из скобы, на которую были нанизаны металлические пластинки. Скабилярии (трещоточники) пользовались в театрах ножными кастаньетами, введенными в подошву обуви.

     Из струнных инструментов чаще всего упоминаются лира, кифара и арфа (самбука) треугольной формы.  Среди  духовых инструментов первое место занимала тибия (разновидность греческого авлоса). А флейта звучала даже на народных собраниях, сопровождая речь оратора. Сирийские танцовщицы привезли с собой новую разновидность этого инструмента — сирийскую флейточку. Использовались и различные дудки, свирели и многоствольнрой греческой сирингой (флейта Пана). После завоевания Египта у римской аристократии вошли в моду водяные органы  — гидравлосы, которыми украшались роскошные виллы и дворцы                      

        Римляне использовали все древнегреческие инструменты, однако изобрели и собственные — металлические духовые, придававшие особую торжественность триумфальным шествиям и парадным церемониям. Это туба (прямая труба), букцина (инструмент в форме рога) и литуус (труба с цилиндрическим стволом и изогнутым раструбом). Так бой гладиаторов шел под звуки трубы, рогов и гидравлического органа.

    Музыканты, игравшие на том или ином инструменте, объединялись в коллегии. Так, играющие на флейте, либо лире или кифаре образовали единый союз симфониаков.  Свое объединение имели скабилярии (трещоточники), руководившие оркестром  и пантомимой. Была также коллегия сирийских флейтисток-танцовщиц.

     Древний Рим по-своему продолжал то, что уже было достигнуто в Греции, но когда музыкальная жизнь империи приобрела специфические для нее формы, то  стали  видны уже явные различия с греческой культурой.  

           Упадок римской культуры длился несколько столетий. Чем воинственнее становилось римское государство, тем низменнее делались вкусы его граждан, и для позднего периода Рима,  стала характерна совсем иная музыкальная культура. Уходит в небытие преклонение перед классическим искусством.

           В далекое прошлое отходит этос — в понимании Платона и Аристотеля.  Многие мыслители той эпохи стали свысока смотреть на музыкальные убеждения греческих классиков. Они утверждали, что музыка не способна выражать ни мысли, ни настроения и поэтому она не может не только воспитать человека, но и чему-либо его научить. Она способна отвлечь на время от скорби и забот, как например, вино и сон.

           Меняется весь общественный уклад в Римской империи — в сравнении с афинской демократией, а это, разумеется, самым непосредственным образом сказывается и на характере больших государственных празднеств в Риме. На первое место выходят грандиозные, эффектные, но часто грубые зрелища, вплоть до кровавых игр гладиаторов. Начинается увлечение громкозвучными ансамблями, состоящими по преимуществу из духовых и шумовых инструментов. Народ более не участвовал сам в празднествах, его лишь потешали ими, отвлекая от возмущений и ропота.

     Музыки было много, слишком много, и в то же время ее не было. Не было в том возвышенном смысле, который придавала ей античная классика. Римская культура периода упадка знала, говоря современным языком, только легкую музыку.

           Что касается театральных представлений, то со временем и они  имели уже не столько этико-воспитательное значение, сколько зрелищно-развлекательное.  Изменился и характер музыки в  римском театре. Пышность и профессиональная выучка сопровождения уже преобладают в исполнении стихов. Пример тому — эклоги Вергилия и поэмы Овидия, которые пелись с танцами в театре. Широкое распространение получили пантомима, исполнявшаяся под  инструментальную музыку (ансамбль) и сольное пение в сопровождении тибии.  И хор в греческом понимании исчез из драмы. Хоровые эпизоды исполнялись иногда.                                            

     Со временем происходило еще немало изменений в сфере театрального музыкального искусства: совершенствовались инструменты, менялся характер игры. Флейтиста-аккомпаниатора заменил оркестр, включавший в себя: струнные, духовые, ударные инструменты.   У больших актеров были свои постоянные аккомпаниаторы.                                                                                                                                          

      А  ко времени Нерона в театре стали увлекаться виртуозностью певцов и танцовщиков, которые в сущности, вытесняли драматических актеров со сцены.  К середине I в. н.э. стали увеличиваться и размеры хора «что поющих в театре больше, чем зрителей».

           Организация клаки, высокие гонорары исполнителям, нездоровое их соперничество — все это было крайне далеко от общественного пафоса греческого трагического театра, от почетной обязанности в организации хора, от прославленных побед Эсхила и Софокла на состязаниях.                            

                                          Заключение

            Влияние и значение античности на последующее развитие музыкального образования трудно переоценить: впервые были выработаны основные понятия музыкальной теории, намечены первые принципы оценки музыки; появилось учение пифагорейцев о музыкальных пропорциях, труды Платона и Аристотеля о музыкальном этосе.

    Общеантичная концепция об огромной социальной и воспитательной роли музыки, учение о музыкальном образовании, сохранили свое значение в дальнейшей традиции европейской музыкальной культуры и эстетики. Одним из важнейших завоеваний античной музыкальной теории, как уже отмечалось, было учение об этосе. Это учение объясняло сущность и природу музыки, ее влияние на чувство и поведение человека.

     Так К. Закс, немецкий исследователь и музыковед, характеризуя развитие античного учения об этосе, пишет: «Господствовавшие ранее представления о сверхчувственном, магическом воздействии музыки, о связи созвучий и соотношений тонов с космологическими явлениями, с временами года и часами дня, с произрастанием растений и погодой, с мужским и женским началом, с рождением, исцелением от болезней, смертью и переселением душ и, попутно, представления о воздействии музыки на силы и деятельность природы — подверглись критической переоценке и заменены были новыми воззрениями — о влиянии этическом». В учение об этосе теперь на первом месте оказались  связь музыки с темпераментом и способностями человека, а также влияние ее на настроение и характер, который она ослабляет или укрепляет»        

            Важное, значение для последующих времен, имела музыка Древней Греции. Она  звучала и в театральных представлениях, где декламация сменялась пением хора, и на народных празднествах, и в повседневной жизни. Греческие поэты не декламировали свои стихи, а пели их, аккомпанируя себе на лире (впоследствии лира стала своего рода эмблемой музыки и вообще искусства) и кифаре  Пляски сопровождались игрой на авлосе — духовом инструменте. Существовала у древних греков и самостоятельная инструментальная музыка. Но из самой музыки Древней Греции до нашего времени дошло лишь несколько отрывков песен и гимнов. Ведь мелодии эти обычно передавались устно от одного певца к другому (лишь немногие записывались).        

          Античные мифы, предания, трагедии в течение многих столетий были источником вдохновения для музыкантов. Сюжеты первых опер, созданных в Италии на рубеже XVI и XVII вв., были основаны на греческих мифах, и с тех пор композиторы бесчисленное множество раз возвращались к поэтичным преданиям древнегреческого народа.                                                

          Что касается Древнего Рима, то  истории существует два периода: классический (расцвет государства) и период упадка Римской империи.

          В  классический период музыкальная жизнь отличалась пестротой и разнообразием. В столицу империи стекались музыканты из Греции, Сирии, Египта и других стран. Как и в Греции, поэзия и музыка в Риме были тесно связаны. Оды Горация, эклоги Вергилия, поэмы Овидия пелись в сопровождении струнных щипковых инструментов — кифар, лир, тригонов (треугольная арфа). Широко использовалась музыка и в драме: певцы исполняли кантики — музыкальные номера речитативного характера.

    В Риме звучали флейта и тибия (разновидность авлоса –наподобие гобоя),  кифара, и огромная лира, арфа и вавилонская волынка,  орган и труба, систр и всевозможные ударные.

           Для Римской империи периода классицизма было характерным всеобщее увлечение музыкой (вплоть до консулов и императоров). В знатных семьях пению и игре на кифаре обучали детей. Профессия учителя музыки и танца была почетна и популярна. Большим успехом пользовались публичные концерты греческой классической музыки и выступления виртуозов, многие из которых были любимцами императоров, например певец Тигеллий при дворе Августа, актер-певец Апеллес — любимец Калигулы, кифареды Менкрат — при Нероне и Месомед Критский при Адриане. Некоторым музыкантам даже ставили памятники, как кифареду Анаксенору, служившему при дворе Цезаря.

     К сожалению, в период упадка Римской империи преклонение перед классическим искусством уходит в небытие. Отходит в прошлое и учение об этосе. Музыка теперь должна была только развлекать народ. Она  стала скорее просто забавным ремеслом. Грандиозные римские зрелища —  цирковые состязания, выступления гладиаторов и огромные концерты были рассчитаны на сильнейший и  слишком внешний зрительный или слуховой эффект.

     Но при все, при этом,  Римская империя  передала эстетическое наследие античности новой культуре средневековья.

 Список литературы

1. Античная культура: Литература, театр, искусство, философия, наука: Словарь-справочник/ Под ред.. В.Н. Ярхо. – М.: Высш. шк. 1995.

2. Древний Рим. История. Быт. Культура. Из книг современных ученых. Сост. Л.С. Ильинская  – М.: Московский Лицей, 1997.

3. Курт, З Музыкально-теоретическое воззрение и инструменты древних греков // Муз-ая культура Древнего мира. – М. 2001.

4. Ливанова, Т. История западноевропейской музыки до 1789 года (Средние века): Учебник в 2-х тт. Т. 1. —  М., 1983.