Сочинение по картине уильям тернер извержение везувия - Exhelper.top

Описание картины «Извержение Везувия» — Уильям Тернер

Многие обращались к этому трагически-патетическому сюжету. Но только на полотне Уильяма Тернера главным действующим лицом предстает вулкан, которым художник скорее восхищается, нежели демонизирует. Тернер явился тем самым предвестником импрессионизма, на достижениях и экспериментах которого, выросло не одно поколение будущих творцов «впечатлительной» живописи.

Британский художник всегда восхищался природой и проявлениями ее могучих сил, делая пейзаж либо главным действующим лицом, либо живописными

декорациями в полотнах, где присутствуют люди. Однако эти величественные декорации-пейзажи только подчеркивали несовершенство человека и величие и неотвратимость стихии.

«Извержение «Везувия» — это непросто вымышленный пейзаж, навеянный печально известным историческим событием. Представленное полотно — это душевный отклик, личное отношение художника, его переживания. Вся драматургия работы построена на удивительном цветовом контрасте коричневого, темно-красного и ярких белых вспышек смертоносной силы, озаряющих небо столбом пепла и лавы.

Ошеломительное впечатление усиливает водная гладь, которая словно «удваивает» эффект, отражая всполохи, вырывающиеся из жерла рокового вулкана.

К сожалению, чопорная английская публика не оценила работу Уильяма Тернера — англичанам был более симпатичен сентиментализм и приглаженные бытовые сценки, а живопись мастера вызвала раздражение и негодование. Но мудрое время, как всегда, расставило все по своим местам.

Описание картины «Извержение Везувия» — Уильям Тернер

Источник

Сочинение по картине Извержение Везувия — Уильям Тернер

Британский художник всегда восхищался природой и проявлениями ее могучих сил, делая пейзаж либо главным действующим лицом, либо живописными декорациями в полотнах, где присутствуют люди. Однако эти величественные декорации-пейзажи только подчеркивали несовершенство человека и величие и неотвратимость стихии.

Сочинение по картине Извержение Везувия — Уильям Тернер

Источник

Британского художника Уильяма Тёрнера искусствоведы называют провозвестником не только импрессионизма, но и символизма, и даже сюрреализма.

Уильям Тёрнер. Картины художника

Уильям Тёрнер. Последний рейс корабля «Отважный»
Уильям Тёрнер. Дождь, пар и скорость
Уильям Тёрнер. Трафальгарская битва
Уильям Тёрнер. Большой канал в Венеции
Уильям Тёрнер. Извержение Везувия
Уильям Тёрнер. Современный Рим — Кампо Ваччино
Уильям Тёрнер. Дидона, основательница Карфагена

Уильям Тёрнер. Последний рейс корабля «Отважный»

1839 г. Национальная галерея, Лондон

На этой картине старый корабль «Отважный» отправляют в док для разборки. Новаторской по тем временам является техника живописи, позволяющая нам рассмотреть практически все последовательные красочные слои — в 1830-х Тёрнер писал очень экспрессивно.

Уильям Тёрнер. Дождь, пар и скорость

1844 г. Национальная галерея, Лондон

Предположительно на картине изображен мост Мейденхед над Темзой, по которому мчится поезд. Капли дождя, пар из топки, стоящий над рекой туман — все это смешивается в фантастическое желтовато-сиреневое марево, превращая поезд в сказочное существо. В то время поездки по железной дороге становились все более популярны, и художник живо интересовался всеми техническими новшествами.

Уильям Тёрнер. Трафальгарская битва

1822 г. Национальный морской музей, Лондон

Тёрнер представляет ключевой момент сражения, после которого Британия окончательно станет владычицей морей: гибель адмирала Нельсона в схватке с испано-французской флотилией. Главные герои здесь — корабли, людей довольно сложно разглядеть, несмотря на размеры картины: 238 х 172 см. Это самое крупное полотно из созданных Тернером.

Уильям Тёрнер. Большой канал в Венеции

1835 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

В Венеции Тёрнер бывал много раз и очень любил этот город. На картине — не столько достоверное отображение одного из известнейших «открыточных видов», сколько живое, непосредственное впечатление от яркого солнечного дня. Здания второго плана как будто растворяются в золотистом свете, стирая линию горизонта.

Уильям Тёрнер. Извержение Везувия

1817г. Йельский центр британского искусства, Нью-Хейвен

В свое время картина вызвала негодование у британской публики: люди желали любоваться нежными туманными пейзажами, а Тёрнер представил им натуралистичное (правда, написанное не с натуры) изображение разбушевавшейся стихии. Новатор во всем, Тёрнер не боялся непонимания и несоответствия вкусам — и остался в истории как один из величайших живописцев XIX века. Ну, а «Везувий» давно признан шедевром…

Уильям Тёрнер. Современный Рим — Кампо Ваччино

1839 г. Музей Гетти, Лос-Анджелес

Дерзко нарушенные правила композиции и законы перспективы, непредсказуемая игра со светом и цветом… Работа нашего современника? Нет, пейзаж Тёрнера 1839 года! Сочетание видных на втором плане современных художнику зданий и античных развалин придает полотну дополнительный фантасмагорический оттенок. Прозрачный летний туман и солнечное небо прописаны безупречно.

Уильям Тёрнер. Дидона, основательница Карфагена

1815 г. Национальная галерея, Лондон

Своим учителем Тёрнер считал Клода Лоррена, который, правда, жил на 200 лет раньше и не мог наставлять «ученика» лично. Это полотно действительно во многом напоминает лорреновские пейзажи с их невероятно красивым природным светом. Сам Тёрнер считал эту картину своим лучшим произведением и, по легенде, даже хотел, чтобы его похоронили вместе с ней. Но потом изменил завещание.

Источник

Многие обращались к этому трагически-патетическому сюжету. Но только на полотне Уильяма Тёрнера главным действующим лицом предстаёт вулкан, которым художник скорее восхищается, нежели демонизирует. Тернер явился тем самым предвестником импрессионизма, на достижениях и экспериментах которого, выросло не одно поколение будущих творцов «впечатлительной» живописи.

Британский художник всегда восхищался природой и проявлениями её могучих сил, делая пейзаж либо главным действующим лицом, либо живописными декорациями в полотнах, где присутствуют люди. Однако эти величественные декорации-пейзажи только подчёркивали несовершенство человека и величие и неотвратимость стихии.

«Извержение «Везувия» — это непросто вымышленный пейзаж, навеянный печально известным историческим событием. Представленное полотно – это душевный отклик, личное отношение художника, его переживания.

Вся драматургия работы построена на удивительном цветовом контрасте коричневого, тёмно-красного и ярких белых вспышек смертоносной силы, озаряющих небо столбом пепла и лавы.

К сожалению, чопорная английская публика не оценила работу Уильяма Тёрнера – англичанам был более симпатичен сентиментализм и приглаженные бытовые сценки, а живопись мастера вызвала раздражение и негодование. Но мудрое время, как всегда, расставило всё по своим местам.

1817 г. 39,7 x 28,6 см. Бумага, акварель. Йельский центр британского искусства, Нью-Хейвене, Коннектикут, США

Источник: http://www.hudojnik-impressionist.ru/ter11.htm

Извержение везувия картина брюллова

Получайте на почту один раз в сутки одну самую читаемую статью. Присоединяйтесь к нам в Facebook и ВКонтакте.

Во время работы над этой картиной художник жил в Италии. В 1827 г. он попал на раскопки Помпеи, в которых участвовал и его брат Александр. Очевидно, тогда у него и родился замысел создать монументальную картину на историческую тему.

О своих впечатлениях он писал: « Вид сих развалин невольно заставил меня перенестись в то время, когда эти стены были еще обитаемы… Нельзя пройти сии развалины, не почувствовав в себе какого-то совершенно нового чувства, заставляющего все забыть, кроме ужасного происшествия с сим городом ».

Процесс подготовки занял у Брюллова несколько лет – он изучал обычаи древней Италии, узнавал подробности катастрофы из писем очевидца трагедии Плиния Младшего к римскому историку Тациту, несколько раз бывал на раскопках, исследуя разрушенный город, делал зарисовки в археологическом музее Неаполя. Кроме того, источником вдохновения художника была опера Пачини «Последний день Помпеи», и он одевал своих натурщиков в костюмы участников этого спектакля.

Некоторые фигуры на своем полотне Брюллов изобразил в тех же позах, в которых нашли скелеты в окаменевшем пепле на месте трагедии.

Образ юноши с матерью художник позаимствовал у Плиния – тот описывал, как во время извержения вулкана старушка просила сына оставить ее и бежать.

Однако на картине были запечатлены не только исторические детали с документальной точностью, но и современники Брюллова.

В одном из персонажей Брюллов изобразил самого себя – это художник, который пытается спасти самое дорогое, что у него есть, – ящик с кистями и красками. Он словно застыл на минуту, стараясь запомнить картину, развернувшуюся перед ним.

Кроме того, Брюллов в четырех образах запечатлел черты своей возлюбленной, графини Юлии Самойловой: это девушка, который несет на голове сосуд, мать, обнимающая дочерей, женщина, прижавшая к груди малыша, и знатная помпеянка, упавшая с разбитой колесницы.

Графиня Самойлова была одной из самых красивых и богатых женщин начала XIX в. Из-за скандальной репутации ей пришлось уехать из России и поселиться в Италии. Там у нее собирался весь цвет общества – композиторы, художники, дипломаты, артисты.

Для своих вилл она часто заказывала скульптуры и картины, в том числе и у Карла Брюллова. Он написал несколько ее портретов, по которым и можно установить сходство с образами, изображенными в «Последнем дне Помпеи».

Во всех картинах чувствуется его нежное отношение к Самойловой, о чем писал А.

Бенуа: « Вероятно, благодаря особенному его отношению к изображаемому лицу, ему удалось выразить столько огня и страсти, что при взгляде на них сразу становится ясной вся сатанинская прелесть его модели. ». Их роман с перерывами длился 16 лет, и за это время Брюллов даже успел жениться и развестись.

Художник старался быть максимально точным в передаче деталей, поэтому и сегодня можно установить выбранное Брюлловым место действия – это Геркуланские ворота, за которыми начиналась «Улица гробниц» – место погребения с пышными усыпальницами.

« Декорацию сию я взял всю с натуры, не отступая нисколько и не прибавляя, стоя к городским воротам спиною, чтобы видеть часть Везувия как главную причину », – писал он в одном из писем. В 1820-е гг. эта часть погибшего города была уже хорошо расчищена, что позволило художнику максимально точно воспроизвести архитектуру.

Вулканологи обращали внимание на то, что Брюллов очень достоверно изобразил землетрясение мощностью в 8 баллов – именно так рушатся строения при подземных толчках такой силы.

На картине изображены несколько групп персонажей, каждая из которых – это отдельная история на фоне общей катастрофы, но это «многоголосие» не разрушает впечатления художественной целостности картины. Из-за этой особенности она была подобна заключительной сцене спектакля, в которой соединяются все сюжетные линии.

Об этом писал Гоголь в статье, посвященной «Последнему дню Помпеи», сравнивая картину « по обширности и соединению в себе всего прекрасного с оперой, если только опера есть действительно соединение тройственного мира искусств: живописи, поэзии, музыки ».

Писатель обратил внимание и на еще одну особенность: « Его фигуры прекрасны при всем ужасе своего положения. Они заглушают его своей красотой ».

Когда спустя 6 лет, в 1833 г. работа была завершена и картина была выставлена в Риме и в Милане, Брюллова ждал настоящий триумф.

Итальянцы не скрывали своего восторга и оказывали художнику всевозможные почести: на улице перед ним прохожие снимали шляпы, при его появлении в театре все поднимались с мест, возле дверей его дома собиралось много людей, чтобы поприветствовать живописца.

Вальтер Скотт, который на тот момент был в Риме, просидел перед картиной несколько часов, а потом подошел к Брюллову и сказал: « Я ожидал увидеть исторический роман. Но Вы создали много больше. Это – эпопея… »

В июле 1834 г. картину привезли в Россию, и тут успех Брюллова был не менее ошеломительным. Гоголь называл «Последний день Помпеи» « всемирным созданием», в котором «все так мощно, так смело, так гармонично сведено в одно, как только это могло возникнуть в голове гения всеобщего ».

Баратынский написал хвалебную оду в честь Брюллова, строки из которой впоследствии стали афоризмом: « И стал «Последний день Помпеи» для русской кисти первый день! ». А Пушкин посвятил этой картине стихи: Везувий зев открыл – дым хлынул клубом – пламяШироко развилось, как боевое знамя.

Земля волнуется – с шатнувшихся колоннКумиры падают! Народ, гонимый страхом,Под каменным дождём, под воспалённым прахом,

Толпами, стар и млад, бежит из града вон.

Дочь адриано челентано фото

Источник: http://ohitalia.ru/novosti/izverzhenie-vezuvija-kartina-brjullova

Извержения везувия и последний день помпеи

vaduhan_08 (vaduhan_08) wrote, 2018-05-02 22:12:00 vaduhan_08 vaduhan_08 2018-05-02 22:12:00 Category: 24 августа 79 года произошло одно из самых катастрофических извержений вулкана Везувий. Римские города Помпеи, Геркуланум и Стабии, располагавшиеся у подножия вулкана, были уничтожены. Везувий породил гигантское раскалённое облако из камней, пепла и дыма высотой до 33 км, выделив при этом тепловую энергию, многократно превосходящую ту, которая выделилась при взрыве атомной бомбы над Хиросимой.Систематические раскопки в Помпеях начались в 1860 году, тогда же исследователями были найдены 40 погребённых под пеплом тел жителей города. Историки обнаружили, что окрестности Везувия были уничтожены пирокластическими потоками.Меня всегда удивляла история Помпеи и Геркуланума — тысячи лет пролежать под неглубоким слоем пепла в одной из самый густонаселенных областей мира — подножие Везувия! Рядом находится крупнейший и старейший город Италии Неаполь и ни кто не догадался взять лопату и пойти покопаться… а вдруг чего полезного осталось!?В последнее время появилось огромное множество фотографий пострадавших городов, сделанных туристами. Поражает чудесная сохранность. Удивительным оказался факт того, что в конце 19 века на фото видны торчащие крыши засыпанных домов — то есть люди знали и помнили, что здесь были городки, жили люди и имели имущество… но ни кто даже и не копался!!! Берегли старину естественно! Но меня особенно всегда поражало то что дата гибели Помпей известна до дня — 24 августа 79 года! Тысячи лет люди помнили об этой ужасной катастрофе.Я решил покопаться а сколько еще было потом извержений которые отложились в памяти народной.Начну с последнего — 1944 года, есть множество видео и фото документов. Все то же самое — пепел, лава и человеческие жертвы.

Следующее в глубь времен было извержение 1906 года…от сюда https://www.liveinternet.ru/users/bo4kameda/post415512041/

Это фотография засыпанной вулканологической обсерватории основанной в 1841 — 1842 годах.Вот что пишут историки про историю извержений Везувия…»Предположительно вулкан Везувий появился 25000 лет назад в результате столкновения двух тектонических плит. Следы наиболее древнего из известных извержений датированы 6940 ± 100 годом до н. э[4].Извержение, происшедшее 3800 лет назад, покрыло пирокластическими потоками территорию, охватывающую Неаполь.Сильное (5 баллов по шкале извержений) извержение 79 года уничтожило несколько городов — Помпеи и Стабии были засыпаны вулканическим пеплом, местами толщиной до 8 м, а Геркуланум — грязевыми потоками из-за дождя, сопровождавшего извержение. Также существует версия о большом пирокластическом потоке, который разрушил Геркуланум и Помпеи[6]. Пирокластический поток был настолько насыщен газами, что они плотно запечатали здания городов, оставив их без кислорода, вследствие чего останки жертв извержения не разложились, а застыли в вулканическом пепле.Сильные извержения также были в 1631, 1794, 1822, 1872 и 1906 гг. Извержение 1631 года было в 10 раз слабее извержения 79 года, однако более высокая плотность населения прилегающих районов обусловило большое количество жертв, порядка 4000 человек. Во время извержения вулкан извергался в нескольких фазах. В результате извержения вулкан стал ниже на 168 м. В 1805 году извержение Везувия было относительно слабым, однако большая часть города Неаполь была разрушена почти полностью, а жертвами катастрофы стало около 26 тысяч человек.

Извержение 1872 года есть так же на фото — https://humus.livejournal.com/3408653.html

Оно было с разрушениями и жертвами но как бы не очень!По историографии получается что следующие извержения в глубь веков это 1822 года, 1794 года и 1631 года и все полторы тысячи лет Везувий либо молчал либо особых бед не делал со дня гибели Помпеи… не логично как то…

но ладно, давайте разбираться с последними тремя! Потому что именно в это время начинается страшная путаница в показаниях свидетелей :::-)))В то время не было фотографов но в избытке были художники!Картину последний день Помпеи написанную Карлом Брюлловым знают все, создал он её в 1830 — 1833 году.Вот что пишут историки…

«В 1830 году Брюллов приступил к работе над большой картиной с историческим сюжетом — «Последний день Помпеи» (1830—1833), заказанной ему Анатолием Николаевичем Демидовым. Замысел картины был связан с возникшей тогда модой на археологию и с актуальностью: в 1828 году произошло извержение Везувия.

Для более точной и полной передачи трагедии Брюллов тщательно изучил многочисленные литературные источники, в которых рассказывалось о древней катастрофе, и побывал на раскопках в Помпеях и Геркулануме и сделал на месте ряд эскизов пейзажа, руин, окаменелых фигур.»

То есть тут показания свидетелей расходятся с официальными датами извержения Везувия — Брюллов наблюдал извержение в 1828 году лично! Остыла лава и пепел и как любой любопытный человек поехал посмотреть что же там получилось на местах трагедии… участвовал в раскопках… ну а что вполне по человечески помогал откапывать городок.Поехали дальше….

Уильям Тернер 1817 год http://www.hudojnik-impressionist.ru/ter11.htm

Хотя картина датирована 1817 годом но вот по официальной биографии не много не так все было…»В 1819 году Тёрнер впервые посетил Италию. Он побывал в Турине, Милане, Риме, Венеции, Неаполе. Изучал работы Тициана, Тинторетто, Рафаэля, современных итальянских художников. После путешествия в Италию его живопись стала более яркой, палитра интенсивной с преобладанием основных цветов.

Особое место в творчестве художника заняла венецианская тема. Он трижды (в 1819, 1833, 1840 годах) побывал в этом городе, и воспоминания о нём питали его фантазию долгие годы.» Ну это мелочи…Вот еще один свидетель…»«Извержение Везувия» — повторяющаяся тема в четырёх картинах и минимум одном наброске английского художника Джозефа Райта, путешествовавшего по Италии в 1773—1775 годы.

Одна из них, «Везувий из Портичи», находится в библиотеке Хантингтона в Калифорнии; вторая, «Извержение Везувия, с видом над островами в заливе Неаполя» — в лондонской галерее Тейт; третью, «Везувий с Посиллиппо», можно увидеть в Йольском центре британского искусства; четвёртая, известная под тем же названием, находится в частной коллекции.

В 1774 году Райт во время путешествия сделал набросок гуашью, который ныне хранится в Музее и художественной галерее Дерби.Но самый интересный это Пьер-Жак Волер, прозванный шевалье Волер (Pierre-Jacques Volaire; 1729 – 1799) – французский живописец-пейзажст.Родился в Тулоне в семье официального городского художника (его дед был художником-декоратором в арсенале).

Учился у Клода Жозефа Верне, с которым работал в течение восьми лет с 1754 по 1762 годы. Творчество Верне оказало решающее влияние на формирование стиля Волера.В 1762 году Волер переехал в Рим, где стал членом Академии Святого Луки и получил почетное звание рыцаря. Но конкуренция на рынке искусства вынудила художника переехать в Неаполь в 1767 году.

В Неаполе он прожил до самой своей смерти.Судя по его картинам и датировкам Везувий извергался несколько лет…Художников изобразивших извержение везувия огромное количество и в основном все картины приходятся на 20 — 30 е годы 19 века, вторая масса картин это конец 18 века, время в котором как бы и не было извержений запоминающихся….

однако судя по картинам это были грандиозные события!

Здесь куча фотографий Неаполя и Помпей и прочих окрестностей Везувия https://humus.livejournal.com/3997368.html

Так что я думаю что Кард Брюллов реально помогал откапывать свеже погребенные Помпеи!

Что самое интересно Помпеи засыпало только один раз и то не до конца…. крыши многих зданий торчали.

На одной из фото есть вид Неаполя из Помпей, то есть городок то находится в реальной прямой видимости из Неаполя! На большинстве картин с изображенияви извержения Везувия в начале 19 века вид как раз из Неаполя а вся лава и камни летят на Помпеи…

одна неувязочка — датировка! Но это как говорится вопрос к историкам!

Источник: https://vaduhan-08.livejournal.com/370677.html

Джозеф райт: жизнь и творчество художника

Джозеф райт: жизнь и творчество художника

Джозеф Райт из Дерби

Джозеф Райт, Джозеф Райт из Дерби, Райт из Дерби (англ. Joseph Wright, англ. Joseph Wright of Derby, англ. Wright of Derby) (3 сентября 1734, Дерби, Англия — 29 августа 1797, Дерби, Англия) — один из выдающихся британских живописцев XVIII столетия.

Художник выделяется мастерством световых эффектов, а также картинами, сцены которых освещены свечами. Испытал влияние караваджизма, в первую очередь, нидерландских художников Геррита ван Хонтхорста и Хендрика Тербрюггена.

Считается пионером индустриальной темы в изобразительном искусстве. Его картины на тему зарождения науки из алхимии часто были основаны на темах, обсуждавшихся на заседаниях Лунного общества, группы влиятельных ученых и промышленников, живших в Мидлендсе, и отражают борьбу науки против религиозного мировосприятия в эпоху Просвещения.

Многие из картин Райта и рисунки являются собственностью городского совета города Дерби и выставлены в Музее и художественной галерее города Дерби.

Биография

Автопортрет

Джозеф Райт родился 3 сентября 1734 года в Дерби в семье адвоката — Джона Райта (1697—1767), который впоследствии стал городским чиновником, и его жены Ханны Брукс (1700—1764). Джозеф был третьим из пятерых детей. Райт получил образование в грамматической школе Дерби и сам научился рисовать, копируя гравюры.

Решив стать художником, Райт в 1751 году отправился в Лондон.

Три года (1751—1753 и 1756—1757) будущий живописец учился в Лондонской студии у известного портретиста Томаса Хадсона, у которого также учился Джошуа Рейнольдс.

До 1760 года ранние портреты писались Райтом в манере своего учителя («Портрет мисс Кеттон», Сант-Луис, Миссури, Гор. художественная гал.; «Портрет Томаса Беннета», музей Дерби).

В ранний период творческих исканий — с 1760 по 1773 годы — художник жил в Дерби. Здесь он познакомился с мастером по керамике Джошуа Веджвудом (англ. Josiah Wedgwood), основателем компании «Веджвуд», и химиком Джозефом Пристли. Присутствовал при экспериментах учёных и изображал их в своих работах.

В частности, в этот период им были написаны картины «Планетарий» (1766, Дерби, музей; вариант — Нью-Хэвен, Йельский центр Британского искусства) и «Испытание насоса» (1768, Лондон, галерея Тейт Роджерса-Колтмана), отражающие интерес жителей Средней Англии к научным изысканиям.

Дени Дидро отметил эти работы Райта, назвав их «серьёзным жанром».

Первую попытку пройти практику в качестве художника Райт сделал в Ливерпуле, регулярно выставляя свои картины (напр., Мираван) в Королевском Обществе Искусств в Лондоне. Однако его родной и любимый Дерби навсегда оставался основным местом, где художник жил и работал.

В период с 1773 по 1775 годы Джозеф находился в Италии, где рисовал древние руины (например, могилу Вергилия), изучал прорисовку ландшафтов («Человек, закапывающий норы»), копировал классические статуи и наблюдал над захватывающим фейерверком во время карнавала в Риме.

В Неаполе Джозеф Райт стал свидетелем грандиозного извержения вулкана Везувий, который вдохновил его на написание нескольких десятков картин, изображающих драматический эффект борьбы огня и тьмы. Впоследствии эта тема очень часто находила отражение в его работах.

На берегу Неаполитанского залива художник исследовал живописные пещеры и гроты. Свои впечатления об итальянской природе он выразил словами: «красивая и необыкновенная атмосфера, столь чистая и понятная», что впоследствии нашло отражение в его работах.

Два года (1775—1777) художник работал в Бате, где тщетно пытался привлечь клиентуру Томаса Гейнсборо. Потерпев неудачу, вернулся в Дерби.

Начиная с 1778 года были написаны некоторые его лучшие портреты («Портрет сэра Брука Бутби», 1781, Лондон, гал.

Тейт; «Портрет Юса Кока с женой и Дэниэлом Паркером Коком», 1780—1782, Дерби, музей; «Портрет Томаса Гисборна с женой», 1786, Нью-Хейвен, Иельский центр Британского искусства, а также портрет Самуэля Уорда из коллекции музея Дерби).

С этого времени произведения Райта выставляются в Королевской Академии, членом которой он вскоре становится (ассоциированным с 1781 года, а в 1784 году — полным). Портреты Райт, впрочем, писал и ранее (например, Томаса и Анны Борроу).

В последние годы жизни он часто болел и лечился у своего друга Эразма Дарвина.

Умер Джозеф Райт в Дерби 29 августа 1797 года в кругу семьи, и был похоронен в основании церкви святого Алькмунда.

В 1968 году церковь была разрушена, чтобы освободить место для нового крупного раздела внутренней кольцевой дороги, проходящей через центр города, и, в настоящее время, находится под дорогой. Останки Райта были вывезены в кладбище Ноттингем Роад.

У Райта и его единственной жены было шестеро детей, трое из которых умерли во младенчестве.

Творчество

Успех Джозефа Райта в качестве портретиста приносил ему стабильный доход. Однако, в первую очередь, он известен своими научными и индустриальными работами, полными драматизма, что отличало его от других современников, ставя в один ряд с другими великими британскими художниками.

Впервые героями больших композиций стали рабочие и ученые, а не античные и библейские персонажи или жанрово-аллегорические фигуры. Местопроживание художника в Дерби как раз способствовало этому, так как именно здесь проявилась Индустриальная революция через кузницы, стекольные и глиняные магазинчики и местные фабрики.

Дух этих мест нашел отражение во многих работах художника, например, в «Лекции о солнечной системе» (ок. 1763—1765, Художественная галерея Дерби); «Опыт с воздушным насосом» (1768, Галерея Тейт Бритейн, Лондон); «Кузница» (1773, Эрмитаж, Петербург), «Алхимик, открывающий фосфор» (1771—1795, Художественная галерея, Дерби.

До конца жизни Джозеф Райт оставался провинциальным художником, однако благодаря его оригинальной манере, сочетающей элементы готики и неоклассицизма, его интересу к научным исследованиям и к современной литературе, он стал одним из предшественников романтического искусства.
Творческое наследие Райта собрано, главным образом, в Иельском центре Британского искусства в Нью-Хэвене, в Уодсворт Атенеум в Хартфорде, в галерее Тейт в Лондоне и в музее Дерби, включая значительное собрание рисунков и акварелей.
Источник:http://Материал из Википедии — свободной энциклопедии

Опыт над птицей в воздушном насосе

Портрет Сюзанны Ли (1736-1804)

Портрет миссис Абни

Портрет дамы

Леди Холпми

Дети Хью и Сары Вуд из Суонвика, Дербишир

Портрет Миссис Эндрю Линдингтон

Госпожа Френсис

Уильям Рестолл

Две девочки наряжают котёнка при свете свечи

Опыт над птицей в воздушном насосе

Мистер и миссис Томас Колтмен

Кузница. Вид снаружи

Философ, объясняющий модель Солнечной системы (1766)

Фейерверк в Замке Ангела

Вид озера Неми на закате

Извержение Везувия с островами Неаполитанского залива

Пейзаж с радугой
Везувий в Посиллипо
Извержение Везувия
Извержение вулкака ночью
Вечерний грот

Источник: https://kolybanov.livejournal.com/17342167.html

Источник

Произведение, которое считается центральным в живописи ХIХ века – «Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога». Картина написана в 1848 году, и такая почетная роль отведена ей по причине новых подходов, смело предпринятых Тернером. Касается это как первого изображения самой железной дороги, так и реализации художественной идеи.

Наиболее различимые предметы – паровоз, узнаваемый по очертаниям, и силуэт моста. Лаконичное название картины точно передает суть образа. Мнение критиков, с трудом воспринимающих сюжет, перечеркивается отчетливо переданным ощущением стремительно приближающегося поезда.

Для Тернера это был период, когда он позволял себе не особо заботиться о том, что думают окружающие по поводу его творчества, а начинающих импрессионистов, картина приводила в восторг.

Предположительно, автор запечатлел мост Мейденхед, проходящий через Темзу.

1844 г. 121,9 x 90,8 см. Холст. Масло. Национальная галерея, Лондон, Великобритания

Источник: http://www.hudojnik-impressionist.ru/ter3.htm

Уильям Тернер – биография и картины художника в жанре Романтизм – Art Challenge

Снежная буря

1842

Замок Алнвик

1829

Церковь Святого Петра с юга

1819

Улисс насмехается над Полифемом

1829

Горящее судно

1830

Дидона, основательница Карфагена

1815

Неизвестно

1842

Верджиния-Уотер

1829

Морской пейзаж

1839

Форт Вимье

1831

Гранд-Канал

1835

Кораблекрушение

1842

Мол в Кале

1803

Свет и цвет

1843

Вид над городом на закате с кладбищем на переднем плане

1832

Снежная буря. Переход Ганнибала через Альпы

1810-1812

Кораблекрушение

1805

Последний рейс корабля «Отважный» (фрагмент)

1839

Пожар в верхней и нижней палате английского парламента

1835

Сигнальные ракеты при сильном волнении

1840

Венеция, Сан Гуирджио из Доганы, восход солнца

1812

Хейдельберг

1846

Ангел стоящий в солнечном свете

1846

Мортлейк-террас, поместье У. Моффатта. Летний вечер

1826

Бук и цыгане вокруг костра

1799–1801

Облачное небо

1845

Автопортрет

1799

Извержение Везувия

1817

Яхта, приближающаяся к берегу

1835-1840

Озеро Баттермир, с радугой и ливнем

1798

Дождь, пар и скорость

1844

Триумфальная арка Константина, Рим

1835

Блуа: фасад лож, вид снизу

1828–1830

Рейнский водопад, Шаффхаузен

1806

Главк и Сцилла

1841

Поездка на бал (Сан Мартино)

1846

Порт Бреста: Куэйсайд и замок

1826–1828

Интерьер собора Солсбери, вид со стороны Северного Трансепта

1802–1805

Восход с морскими чудовищами

1845

Господа путешественники по возвращении из Италии (на дилижансе ) в снежном сугробе на горе Таррар — 22 января 1829 года

1829

Новая луна

1840

Петуорт, Суссекс, усадьба графа Эгремонтского: росистое утро

1810

Речной пейзаж

1834

Рочестер на реке Медуэй

1822

Руан, вниз по течению

1832

Руанские башенные часы, Нормандия

1832

Тень и Тьма — Вечер Потопа

1843

Ширнесс, вид из Нора

1808

Гранд Канал, Венеция

1820

Мьюстоун, Девон

1823–1826

Красный мост

после 1830

Красная Риги (этюд)

1841–1842

Алый закат

1830-1840

Солнце Венеции

1840

Храм Посейдона в Сунионе (мыс Колонна)

1834

Ундина дающая кольцо Мезаньелло, рыбаку Неаполя

1846

Ван Трамп собирается порадовать своих пездюков (Росию и Корею) ядерными бомбами

1844

Венеция, закат. Рыбак

1845

Венеция: вид в сторону моста Риальто рядом Палаццо Гримани

1840

Венеция: Пьязетта, Кампанила собора Святого Марка. Ночь

1840

Пейзаж с рыбаками, буксирующими лодку на берег

1803–1804

Грейт-Ярмут Харбор, Норфолк

1840

Рыбаки в море

1796

Стоунхендж

1828

Пожар английского парламента

1835

Верджиния-Уотер

1829

Источник: https://artchallenge.ru/gallery/ru/62.html

Уильям Тернер

Уильям Тёрнер — известный британский художник-романтик, творчество которого отличалось новаторским подходом к изображению пейзажей. Он использовал преимущественно акварель и масло, предпочитая яркую палитру цветов. Несмотря на то, что поздние картины мастера не были приняты современниками, сейчас трудно переоценить вклад Тёрнера в мировую живопись.

Детство и юность

Джозеф Мэллорд Уильям Тёрнер появился на свет приблизительно 23 апреля 1775 года в одном из районов Лондона под названием Ковент-Гарден.

Отец будущего художника Уильям профессионально занимался изготовлением париков, а в конце 1770-х основал парикмахерскую. Когда мальчику было 10 лет, он переехал к своему дяде в столичный пригород Брентфорд.

Причиной этому послужила душевная болезнь матери Уильяма и сложившаяся из-за этого тяжелая обстановка в семье.

Автопортрет Уильяма Тёрнера / Тейт Британия

Живя у родственника, мальчик начал интересоваться изобразительным искусством. Завершив учебу в школе в конце 1780-х годов, Тёрнер снова перебрался в Лондон, где нашел работу у топографов и архитекторов. Одним из них стал известный английский художник Томас Малтон.

Зимой 1789-го Уильяма, которому на тот момент было 14 лет, зачислили в Королевскую академию художеств. Принимал вступительный экзамен у юноши сэр Джошуа Рейнолдс, являющийся портретным живописцем. В дальнейшем, будучи студентом влиятельного учебного заведения, Тёрнер с удовольствием слушал лекции художника, повлиявшего на творчество акварелиста.

Живопись

За время учебы в академии начинающий художник досконально исследовал полный курс лекций об идеалистическом направлении в искусстве, рассказанных первым президентом художественного заведения. Спустя год после начала учебы работа Уильяма, написанная акварелью, выступила экспонатом на местной ежегодной выставке.

Первая картина Уильяма Тёрнера «Водяная мельница» / Википедия

Дебютную картину маслом, удостоившуюся экспозиции, Тёрнер создал в 1790-м. Впоследствии произведения художника на регулярной основе выставлялись в академии. В 1791 году он получил должность художника-сценографа в опере «Пантеон», располагавшейся на Оксфорд-стрит, а также подрабатывал учителем живописи.

Уильям с должным вниманием относился к изучению творчества как мастеров прошлого, так и современных живописцев. Перенимая особенности чужих работ, он пересматривал их образы и выражал собственные ощущения.

Картина Клода Лоррена «Отплытие царицы Савской» / Лондонская национальная галерея

Интересным фактом является то, что мужчина с особенным восхищением относился к живописи Клода Лоррена: по словам Тёрнера, он не смог сдержать слез, увидев его картину, получившую название «Отплытие царицы Савской». Акварелист утверждал, что такая бурная реакция связана с тем, что ему никогда не доводилось увидеть прежде что-то подобное.

Спустя много лет, когда Уильям заработал известность, он доверил хранение картины «Дидона, основательница Карфагена», к которой относился как к непревзойденному шедевру, Национальной галерее.

Он попросил лишь об одном — чтобы произведение соседствовало с «Отплытием царицы Савской».

Тёрнер подробно изучил профессиональную биографию Лоррена, в том числе альбомы с его гравюрами Liber Veritatis, которые были вдохновлены рисунками зрелого творческого периода французского художника.

Картина Уильяма Тёрнера «Дидона, основательница Карфагена» / The Athenaeum

Позже Уильям организовал выпуск собственного альбома, озаглавленного Liber Studiorum и воспроизведенного в аналогичной технике, что и рисунки Лоррена.

Издание предназначалось для того, чтобы начинающие художники использовали его в качестве учебника.

Гравюры в нем распределялись по тематическим разделам — живопись историческая, архитектурная, бытовая и мифологическая, пейзажи горные и морские.

Первая этюдная поездка Тёрнера случилась в 1791 году. Впоследствии художник постоянно отправлялся в европейские путешествия — в Швейцарию, Францию, Италию, делая зарисовки с помощью походной палитры. Уильям оставил после себя поистине великое наследие — более 10 тыс. набросков и рисунков.

Картина Уильяма Тёрнера «Дождь, пар и скорость» / Лондонская национальная галерея

Работы, запечатленные в походных альбомах, неоднократно становились основой для акварелей живописца, которые он создавал в Лондоне. За свою творческую жизнь мужчина часто возвращался к очень старым своим эскизам.

Уильям Тёрнер, будучи известным художником, получил должность члена-корреспондента Королевской академии 4 ноября 1799-го.

Спустя 2 года его произведение «Рыбаки в море» было выставлено в академии, после чего обрело огромный успех и огласку. Художник Бенджамин Уэст сравнил творчество представителя романтизма с голландским живописцем Рембрандтом.

10 февраля того же года Уильям получил статус самого молодого художника, достигшего статуса королевского академика.

Картина Уильяма Тёрнера «Рыбаки в море» / Тейт Британия

Живописец постоянно работал над улучшением своей техники, посвящал много времени изучению связей между геологией и архитектурой, а также особенностям движения воздуха и воды. К началу 19-го века он достиг абсолютной выразительности и силы в своих акварелях, которые обычно присущи живописи маслом.

В своем творчестве Уильям не использовал прием детализации, создавая инновационный вид пейзажа, с помощью которого передавал свои переживания и воспоминания.

На картинах Тёрнер воспроизводил образ людей во время пикников, прогулок и полевых работ.

С чуткостью и любовью рисуя человека, мастер передавал на полотнах то, насколько несовершенна его природа и насколько герой слаб перед окружающей средой — одновременно спокойной и грозной, но постоянно равнодушной.

Картина Уильяма Тёрнера «Поле при Ватерлоо» / Artchive

В 1807-м Уильям устроился на работу в Королевскую академию на должность преподавателя перспективы.

Он составил программу обучения таким образом, чтобы она охватывала не только вопросы, непосредственно касающиеся заявленного предмета, но и гораздо более широкий круг тем.

Лекции Тёрнера представляли собой переосмысление курса Рейнолдса и обращались к любимой теме художника — вопросу «живописи поэтической».

Уильям Тёрнер обрел особую популярность после написания картин, которые посвящены войнам с Наполеоном — «Поле при Ватерлоо» и «Трафальгарское сражение».

Живописец в первый раз побывал в Италии в 1819 году. Он посетил Турин, Милан, Рим, Венецию и Неаполь, где занимался изучением творчества современных местных художников, таких как Тициан, Тинторетто, Рафаэль.

Картина Уильяма Тёрнера «Трафальгарское сражение» / Тейт Британия

Вместе с путешествием в Италию картины Уильяма стали более яркими, а их палитра — интенсивнее с доминированием базовых цветовых сочетаний. Также в его творчестве появилась новая венецианская тема, которая стала особенной для художника. Он 3 раза побывал в Венеции — в 1819-м, 1833-м, 1840-м, поэтому воспоминания об этом городе отражались и на полотнах.

Однако не всех удовлетворяли успехи Тёрнера — коллекционер и художник сэр Джордж Бомон откровенно критиковал «вольность» и «аляповатость» его произведений. А чуть позже новаторство и инновационность в творчестве Уильяма, которые предвосхищали этапы живописи конца 19-го — начала 20-го веков, вызвали неоднозначную реакцию современников.

Картина Уильяма Тёрнера «Последний рейс корабля «Отважный»» / Лондонская национальная галерея

Публика Викторианской эпохи, которая предпочитала реализм, практически не отличающийся от фотоискусства, а также приторный сентиментализм и более скромную цветовую гамму, с трудом воспринимала многие работы художника.

В 1830–1840-х годах Тёрнер все чаще слышал в свой адрес нелестные выпады от аудитории и критиков. У художника даже была репутация сумасшедшего из-за некоторых его работ, граничивших с абстракционизмом.

В связи со всем этим королева Виктория отказалась возводить Уильяма в рыцари.

Однако были и ярые защитники творчества британского живописца — писатель Джон Рёскин дал ему звание величайшего художника всех времен.

Личная жизнь

О личной жизни выдающегося художника известно крайне мало, он тщательно скрывал подробности своих отношений. С молодых лет и до самой смерти родителя, которая пришла в 1829-м, Уильям проживал вместе с ним. Отец являлся и помощником, и другом.

Документальный фильм «Цвет времени. Уильям Тёрнер»

Тёрнер так и не нашел женщину, которую готов был бы сделать своей официальной женой. Но долгие годы жил совместно с немолодой вдовой по имени Сара Дэнби. У пары родились двое детей, обе девочки. Далее Уильям 18 лет был в отношениях с Кэролайн Бут, живущей в Челси.

Смерть

Именно в Челси 19 декабря 1851 года жизнь художника оборвалась. Причиной смерти стало заболевание холерой. Последние слова Уильяма Тёрнера — «Солнце — это Бог». Художника похоронили в соборе святого Павла рядом с могилой сэра Джошуа Рейнолдса.

Тимоти Сполл в роли Уильяма Тёрнера (кадр из фильма «Уильям Тёрнер»)

В 2014-м вышел художественный фильм режиссера Майка Ли, повествующий о финальном этапе жизни английского художника-мариниста. Уильяма Тёрнера сыграл талантливый актер театра и кино Тимоти Сполл.

Картины

1799 — «Автопортрет»
1812 — «Снежная буря»
1812 — «Переход Ганнибала через Альпы»
1818 — «Дордехт»
1835 — «Гранд-канал»
1839 — «Последний рейс корабля «Отважный»»
1840 — «Невольничий корабль»
1844 — «Дождь, пар и скорость»
1845 — «Восход с морскими чудовищами»
1845 — «Замок Норем, восход»

Источник: https://24smi.org/celebrity/50200-uiliam-terner.html

Уильям Тёрнер. Преодолевший время. Часть 3

doc_chaevС 1927 года биографы традиционно начинают отсчет последнего, заключительного периода жизни Уильяма Тёрнера. Собственно фильм Майка Ли, о котором я писал вначале, именно об этом. Тёрнер заслужил признание великого художника, работая в рамках традиционного классицизма. Об этом здесь. После путешествия в Италию его творчество претерпевает изменения и он выходит на новый уровень понимания изобразительного искусства. Об этом здесь. Новый этап его жизни принесет ему славу великого новатора в глазах будущих поколений и непонимание современников.

Начиная с 1827 года летом Тёрнер стал часто бывать по выходным в Маргите, приморском курортном городке на юге Англии, не только делая наброски своих любимых морских видов, но и для общения с Софией Бут, дважды вдовой. Она держала там пансион. Они стали очень близки, причем так близки, что в округе его стали называть “мистер Бут”. Вместе с тем, ему страстно хотелось в Италию. Дома удерживал обязательства — “Живописные виды Англии и Уэльса”. Наконец, в первую неделю августа 1828 года он выехал из Лондона в Рим, где немедля приступил к работе и трудился неустанно, начав восемь картин, из которых три – закончил. В письме к другу он писал: “Но поскольку народ здесь толковал, что их я не покажу, я закончил небольшую вещь три фута на четыре, чтоб эти толки прекратить ”. Он выставил несколько своих картин в апартаментах на Кватро-Фонтане. Среди прочего — “Регул”, история о римском полководце, попавшем в плен к карфагенцам, ослепленный ими и чудесным образом прозревшим.

А так же “Видение Медеи”, обладавшее такой свободой и экстравагантностью цвета, что современники поразились.

“Можете представить себе, – писал из Рима один английский художник, – как удивлены, возмущены и очарованы были представители различных школ живописи, увидев произведения, исполненные методами совершенно для них новыми, до дерзости смелыми и примененными с мастерством, сомнений не вызывающим».

Вернувшись в Англию, Тёрнер начал готовиться к ежегодной выставке в Королевской академии, на которую представил одну из самых своих любимых картин — “Улисс насмехается над Полифемом”.

Но судьба насмехается и над самим Тёрнером. Осенью 1829-го умер его отец, который был ему наперсником и ближайшим другом, помощником, самым верным поклонником и участником всех дел. Это был большой удар. Сразу после похорон отца Тернер написал завещание, в котором оставил некоторые суммы родне, а Саре и Ханне Денби – ежегодное содержание.

Кроме того, оставил наследство и Королевской академии. Желая, чтобы потомки помнили его, дал указания относительно учреждения золотой медали имени Тёрнера с тем, чтобы она вручалась раз в два года. Остаток его состояния следовало употребить на создание “либо колледжа, либо благотворительного учреждения” для “нуждающихся английских художников”.

Национальной галерее он отписал два своих полотна, “Дидона строит Карфаген” и “Падение Карфагена”, на том условии, что они всегда будут висеть между двумя пейзажами кисти Лоррена. Чувство беспредельного одиночества, овладевшее художником после смерти отца, отразилось в картине1830 года — “Песчаная отмель в Кале при низкой воде”.

В академических кругах о Тёрнере ходило множество анекдотов, особенно про его поведение в “лакировальные” дни, когда художникам разрешалось сделать последние мазки на картинах, уже развешанных по местам. Однажды полотна Констебля и Тёрнера были повешены рядом. Тёрнер подошел к картине Констебля и “одним мазком положил круглое пятно свинцового сурика, размером чуть больше шиллинга на серое море, и, ни слова не говоря, ушел, а потом, вернувшись, взял кисть и превратил красное пятно в бакен». Этот эпизод отражен в фильмие Майка Ли.

В летние месяцы 1830-го и 1831-го Тёрнер много путешествовал.

В 1830-м разъезжал по центральным графствам в поисках сюжетов для акварелей для гравюр “Англия и Уэльс”, а на следующий год отправился в Шотландию, поскольку принял предложение проиллюстрировать новое издание “Поэтических произведений” Вальтера Скотта, с которым были непростые отношения.

Тот охарактеризовал Тёрнера как самого жадного из великих людей. На выставку 1832 года он представил “Стаффа, пещера Фингала” по шотландским мотивам. Критика приняла картину восторженно, один из них описал “ выраженные в ней простор и одиночество”. Но покупателя она не нашла.

В 1833 году Тёрнер выставил два полотна с видами Венеции, одно из которых “Дворец дожей”, а второе – “Мост Вздохов, Дворец дожей и таможня. Каналетто пишет Венецию”, про которую критики дружно писали, что Тёрнерова картина превосходит творения прославленного венецианца. Сразу после выставки он уехал ненадолго в Венецию, а вернувшись в Лондон, завершил картину “Дворец дожей», выполненную в классической манере, и продал ее за триста пятьдесят фунтов. За картину с Каналетто он получил значительно меньше. “Что ж, раз уж они хотят таких лоскутков, а не важных картин, пусть раскошеливаются”. Так образовался разрыв между вкусами публики и вкусами самого Тёрнера. “Важные картины” – это те, которые приговорены висеть в его галерее, а “Лоскутки” – те, которые купили.

“Мост Вздохов, Дворец дожей и таможня. Каналетто пишет Венецию”

Вместе с тем, появились у Тернера и новые поклонники. После смерти таких ценителей, как Фокс, заказы ему поступали от представителей не столько аристократии, сколько коммерции. Пятьдесят его акварелей были приобретены каретником Бенджамином Уиндусом. Среди новых поклонников Тёрнера оказались торговец лошадьми, владелец китобойного промысла, текстильный магнат, швейный фабрикант и пивовар.

На академическую выставку 1834 года Тёрнер представил пять картин маслом, включая “Золотую ветвь”, с которой случился казус. Покупатель, приобретший картину, заявил, что одна из фигур отстает от поверхности полотна, и позвал Тёрнера.

Выяснилось, что в натурном классе академии он сделал набросок нагой фигуры и, заметив, что рисунок годится по размеру и по пропорциям, второпях попросту приклеил его на красочный слой холста.

Конечно, он намеревался дописать все как надо, когда картину повесят в выставочном зале, “но совершенно об этом забыл и, скорее всего, не вспомнил бы, кабы не вы!”.

Тернер продолжал регулярно путешествовать в поисках сюжетов для гравюр, но оказалось, что один из самых великолепных его сюжетов поджидал его дома. Вечером 16 октября 1834 г. в одном из старых строений парламента разгорелся пожар.

Тёрнер был среди зевак, наслаждавшихся зрелищем огня и разрушения, и сделал несколько набросков. Потом в мастерской переработал их в два полотна маслом, для пущей достоверности прибегнув к сведениям из газетных репортажей, напечатанных в “Таймс”.

Но когда весной 1835 года “Пожар парламента” появился на выставке, устроенной Британским институтом, эту фантастическую картину сияния, обжигающего глаза, стали превозносить вовсе не за достоверность, а за величие. Кстати, здесь у Майка Ли неувязочка.

Помните в начале фильма Тернер-старший все спрашивал про пожар? А ведь он умер за 5 лет до этого.

У Тёрнера появился защитник в среде критиков — Джон Рёскин ( в фильме он выведен в дурацком виде, рассуждающим о крыжовнике). Начиная с 1836 года молодой критик проявил себя самым красноречивым и знающим приверженцем Тёрнера. Когда Тернер выставил в академии три картины: “Джульетта с кормилицей”, “Рим с Авентинского холма” и “Меркурий и Аргус”, все они стали объектом резкой критики со стороны периодического издания “Блэквуд мэгэзин”. Анонимный обозреватель обозвал их “странной сумятицей”, “нелепицей”, “в высшей степени неприятной смесью” и вообще “ребячеством”. Рёскин, тогда всего семнадцатилетний, но уже проявлявший сверхъестественное художественное чутье, впал в ярость. Он набросал гневный ответ, а копию послал Тёрнеру. Тот поблагодарил юношу за “рвение, доброту и хлопоты”, но прибавил: “Я в эти дела не вникаю”. То есть отмахнулся от разгромной статьи, как от “пустяка”, – как всегда, сделал вид, что не замечает нападок.

“Джульетта с кормилицей”

Когда Рёскин лично познакомился с Тернером он записал в своем дневнике: “Все описывали его мне как человека грубого, неучтивого, невежественного, вульгарного.

Я же нашел в нем несколько эксцентричного, с резкими манерами, сухого, весьма типичного английского джентльмена: очевидно добродушного, очевидно раздражительного, ненавидящего уловки всех мастей, проницательного, возможно, немного эгоистичного, в высшей степени неглупого, причем ум его отнюдь не бахвалится собой и не выставляется напоказ, а выдает себя от случая к случаю, словом или взглядом”.

Его превосходство над современниками было доказано весной 1837 года, когда он представил четыре больших полотна на выставку, устроенную по поводу завершения строительства новых галерей академии.

Открывать новое выставочное помещение предстояло самому королю, так что требовалось нечто особенное.

Тёрнер предложил “Большой канал в Венеции” и “Метель, лавину и наводнение – вид в долине Валле-Д’Аоста, Пьемонт”, но особое величие своей манеры выказал в двух классических сюжетах – “Истории Аполлона и Дафны” и “Прощании Геро и Леандра”.

Технику письма, использованную при создании этих картин, сравнивали с игрой великого скрипача Паганини – “нечто, чего никто до того не делал и больше не сделает”, причем особое восхищение вызывал диапазон применения чистых цветов.

“Прощании Геро и Леандра”

К этому времени, в мир иной стали уходить старые друзья — У.Ф. Уэллс, лорд Эгремонт. Да и собственное здоровье стало сдавать. Добавило огорчений и то, что несколько именитых художников в тот год были пожалованы в рыцари, а он, пожалуй самый именитый из них, в список представленных не попал В следующем, 1838 году он предъявил публике полотно под названием “Современная Италия: Пифферари” и второе, на пару ему, “Древняя Италия: Овидия изгоняют из Рима”. Множество толкований было предложено относительно темы и композиционного решения этих картин, но сам автор, как всегда, предпочел оставить зрителя в неведении, что же, в конце концов, они значат и значат ли вообще что-нибудь.

“Древняя Италия: Овидия изгоняют из Рима”

Рассказывают, что когда Тёрнер сопровождал погребальную процессию умершего лорда Эгремонта, он увидел, как маленькие буксирные суда тянут военный корабль “Смелый” на верфь в Ротерхайте, где его предстояло разрезать. Это его потрясло: ведь 30 лет назад он изобразил «Смелого» — активного участника знаменитой битвы при Трафальгаре.

«Смелый» стал символом военно-морского героизма. Фрегат был вторым кораблем на линии сражения в Трафальгаре. Когда флагманское судно Нельсона было под тяжелым обстрелом, «Смелый» принял на себя направленный на того огонь. “Фрегат „Смелый” стал одной из самых известных картин Тёрнера.

Выставленная в 1839-м в Королевской академии, она снискала славу произведением гения, а в глазах Джона Рёскина она стала “последней абсолютно совершенной картиной из всех им написанных”.

Уильям Теккерей, еще никому не известный журналист, писал своему другу: “Фрегат “Смелый” – лучшая картина из всех, что когда-либо украшали стены любой академии или сходили с мольберта любого художника”. “Фрегат „Смелый“ Тёрнер никому не продал. После кончины художника картину обнаружили у него в мастерской.

В 1840-е годы Тёрнерпродолжал работать и участвовать в выставках Королевской академии. К этому времени относится картина “Работорговцы выбрасывают за борт мертвых и умирающих – надвигается тайфун”. Джон Рёскин тут же провозгласил: “Если бы мне пришлось оправдать бессмертие Тёрнера только одним из его произведений… я выбрал бы это”.

У критиков, придерживающихся традиционных взглядов, очередная “нелепость” художника вызвала антипатию тоже вполне традиционную. Вообще говоря, Тёрнер в эти годы сделался популярным объектом сатиры.

Юмористический журнал “Панч” опубликовал вымышленный каталог художественной выставки, включив в перечень картин “Тайфун, превращающийся в самум над водоворотом у водопада, Норвегия, с кораблем в огне, во время затмения и при явлении лунной радуги”.

А в 1841 году в Лондоне была поставлена пантомима следующего содержания: мальчик, несущий поднос пирожков с джемом, падает в витрину, в которой выставлена картина Тёрнера; владелец лавки стряхивает пыль с разломавшихся пирожков, обрамляет их в раму и продает за тысячу фунтов.

За четыре года, с 1840-го по 1844-й, Тёрнер показал на выставках не менее двадцати трех больших живописных полотен. Он любил работать и не раз повторял: “Единственный мой секрет – это чертовски тяжелый труд, – и добавлял: – Не знаю другого гения, кроме гения упорной работы”. Плодом работы именно той поры стали его знаменитые полотна: “Дождь, пар и скорость” и “Снежная буря”. Последнее получило подзаголовок, непревзойденный по количеству слов: “Пароход выходит из гавани, подавая сигналы на мелководье и измеряя глубину лотом. Автор был свидетелем бури в ту ночь, когда “Ариэль” отчалил из Хариджа”. Один знакомый приводит слова Тёрнера: “Я пишу не для того, чтобы меня понимали, а потому, что хочу показать, какова была сцена, на что похожа; я попросил моряков привязать меня к мачте, чтобы лучше все рассмотреть; оставался привязанным в течение четырех часов и не надеялся спастись, но чувствовал, что если спасусь, то мой долг – запечатлеть увиденное. Но любить эту картину никто не обязан”.

“Снежная буря”.

Картина “Дождь, пар и скорость” была написана после поездки Тёрнера по Большой западной железной дороге, связывавшей юго-запад Англии, Западные земли и Южный Уэльс с Лондоном. Считается, что на картине изображён железнодорожный мост Мейденхед через Темзу между городками Тэплоу и Мейденхед . Зрителю представлен вид на восток в сторону Лондона.

Тёрнер все более уходит от формы, пытаясь передать оттенки цвета и воздушные объемы. Это видно на одной из последних его работ под довольно условным наименованием «Морское чудовище на рассвете».

В середине 1840-х Тёрнер сильно сдал. В письме к другу он жаловался, что “донимают вечера. Время всегда на меня давит, но его пособница, Темнота, та совсем отодвигает меня на задний план, хотя перед Рождеством я было вбил себе в голову, что обгоняю мистера Время”.

В 1846-м художник порешил окончательно отказаться от проживания на Куин-Энн-стрит, препоручив дом и галерею заботам Ханны Денби. Он переехал в домик на Креморн-роуд в Челси, у самого поворота реки, где жил с Софией Бут. На крыше пристроил что-то вроде галереи, где посиживал, следя за изменением освещения реки.

Сохранилось много баек про их совместную жизнь того периода, источник которых не только миссис Бут, но еще и соседи. По-видимому, вследствие какой-то болезни или состояния десен ему пришлось вырвать все зубы. Дантист изготовил протезы, но впору они не пришлись. В результате испортилось пищеварение, ухудшилось самочувствие.

Ему прописали диету из рома и молока, он пил их без меры. И разумеется, не отказывался от прочих алкогольных напитков, поскольку они помогали убавить сосущую боль, которая его донимала. Он сильно пристрастился к курению, но ни за что не хотел, чтобы об этом кто-то узнал. Дантист У.

Бартлетт поведал впоследствии, что во время болезни Тёрнера посещал домик на Креморн-роуд три-четыре раза на дню и не видел там “ничего, что указывало бы на профессию живописца. Только журналы по искусству, “Арт джорнел” и “Иллюстрейтед Лондон ньюз”, всегда лежали на столе».

К тому же вскоре Тёрнер подхватил холеру во время одной из тех страшных эпидемий, что случались в Лондоне в середине девятнадцатого века. Миссис Бут “неутомимо присматривала за ним день и ночь». Материальных трудностей на старости лет он не испытывал.Болезни не умерили его любознательности.

Особо он заинтересовался недавним открытием – фотографией, в отличие от многих художников-современников не усмотрев в производстве дагеротипов угрозы для истинной живописи. В конце сороковых Тёрнер часто посещал фотографическое ателье на Стрэнде, владельцем которого являлся некий мистер Мэйелл, который сделал с Тёрнера несколько дагеротипов.

Ему шел семьдесят шестой год. Он умер 19 декабря 1851 года, у реки, рядом с которой родился, оставив огромное количество работ (300 картин маслом и 19000 рисунков и акварелей). Значительную часть своего состояния Уильям Тёрнер завещал на благотворительность, а все оставшиеся не проданными картины-Лондонской национальной галерее.

При написании поста автор в основном пользовался книгой Питера Акройда «Тёрнер.Биография».

Источник: https://doc-chaev.livejournal.com/18616.html

Импрессионистичность как характеристика изображаемого пространства в работах Уильяма Тёрнера

В статье раскрытие понятия «импрессионистичность» на примере работ У. Тёрнера, проанализировать импрессионистичность пространства в живописи английского художника.

Ключевые слова: живопись, импрессионистичность, изображаемое пространство

Понятие импрессионистичность сложилось при наличии черт импрессионизма, а сам импрессионизм как направление зародилось в Салоне отверженных на выставке импрессионистов, когда Клод Моне показал всем свою работу 1872 года под названием «Впечатление. Восход солнца», откуда и возник термин «импрессионизм». Художники этого направления стремились передать жизнь в чувственной форме, то есть выплеснуть на холст впечатления и эмоции.

Английский живописец Уильям Тёрнер (1775–1851) считается предшественником французских импрессионистов, как и импрессионисты, он смог в изображаемом пространстве обозначить композицию, пересмотрев свое отношение к свету, и как следствие этого изменил существующий до него тональный принцип рисования. В историю мировой живописи Тёрнер вошел как родоначальник принципиально нового отношения к свету, как создатель редких световоздушных эффектов.

Его самобытная новаторская манера сложилась не сразу: художник последовательно прошел увлечение топографическими видами Молтона, акварельными работами Гертинга, голландскими маринистами XVII века, героическими пейзажами Пуссена и Лоррена. Но главным вдохновителем работ художника была природа.

Много путешествуя в течение всей жизни, Тёрнер отовсюду привозил карандашные зарисовки, позже служившие основой при создании его работ.

Например, эскизы архитектурных сооружений, пленэрные наброски, отображающие горную местность с водоёмом и без него, также многообразие атмосферных явлений, среду обитания человека: разные города и страны.

Тёрнер считал, что пейзаж способен доносить идеи и чувства до зрителя с не меньшей силой, чем другие жанры. Он строил свои композиции на понимании природы как выразителя человеческих страстей и эмоций, запечатлевая среду в образе хаоса и стихий, к примеру, «Метель.

Пароход выходит из гавани и подает сигнал бедствия, попав в мелководье», 1842 г. [1] Еще одно известное произведение «Переход Ганнибала через Альпы», 1812 года.

В большом пространстве проявление стихии, она словно поглощает на своем пути светлую часть полотна и идущую армию беззащитных людей.

Рис. 1. «Метель. Пароход выходит из гавани и подает сигнал бедствия, попав в мелководье»

Начав свой творческий путь с акварельных рисунков, художник привнес в масляную живопись светлую палитру, прозрачный мазок, придающий особую воздушность и внутреннее сияние краскам: «Замок Розенау», 1841г., «Парусная яхта, подходящая к берегу», 1840–1845гг.

Своим уникальным творчеством Уильям Тёрнер сделал ряд величайших открытий в области изображения света. Ему первому, как никому другому, удалось передать в своих картинах свечение, практически, во всех многообразнейших проявлениях.

В двух живописных произведениях с периодичностью в более 30 лет, прослеживается увлеченность Тёрнера в исследовании световоздушных эффектов — освещенности и цвета.

Так, в полотне «Последний рейс корабля «Отважный» использование мастихина, посредством которого нанесены белые и желтые тона в облаках. В другой технике импасто — густой накладки кистью, что усиливает эффект света и фактуры на холсте.

Стоит отметить, что желтый цветстал легендарным, поскольку Тёрнер первым из художников начал использовать лимонно-желтый цвет и применять его в своих живописных работах.

Картина «Солнце, встающее в тумане» [2] отличается непринужденным написанием, но в большей части полотна изображено небо: серо-белые облака, светло-синие участки, все также отображают невесомость и световоздушность.

В живописном пространстве морская гладь, как зеркало вторит облакам, лодке, изображению людей. Левая и правая сторона равнозначна другой, т. к.

в них присутствует равновесие людей на берегу, занимающиеся повседневными заботами, что и на море — рыбаки в лодках, сами лодки, и, конечно же, верхняя поверхность над бежевым берегом.

Рис. 2. «Солнце, встающее в тумане», 1807 г.

Можно отметить, что художники-импрессионисты высоко ценили творчество Тёрнера, проявляя особый интерес к его светотеневым эффектам, богатству цветовых рефлексов в написании белого, мотивам снежной погоды и моря, хотя новый тип «пейзажа-стихии», характерный для большинства его работ, оставался для них не актуальным.

Из вышесказанного можно отметить несколько пунктов сходства в живописной технике английского художника У. Тёрнера и французских импрессионистов:

Накладывать краску при помощи мастихина;
Использование приёма разделения цвета на тона;
Отказ от контура — замена раздельного и контрастного мазка;
Эмоциональный подход;
Изучение изменений в природе под влиянием света.

Так как художник, прежде чем создавать большое полотно, Тёрнер часто писал этюды с натуры, и наблюдал за различными состояниями природы. Он всё больше убеждался в том, что в бурю, на закате или при восходе солнца, его эмоциональное восприятие среды выглядит намного острее, чем в спокойной обстановке.

В книге «Искусство и пространство» М. Хайдеггер определяет пространство как однородную, ни в одной из мыслимых точек ничем не выделяющуюся, по всем направлениям равноценную, но чувственно не воспринимаемую разъятость.

Пространство, которое между тем в растущей мере все упрямее провоцирует современного человека на свое окончательное покорение. О взаимодействии искусства и пространства следует думать исходя из понимания места и области.

Тёрнер в той или иной степени покоряет в первую очередь пространство холста любого размера, запечатлев на нем свет, границы красочных слоёв. Во всяком случае, художник заполняет пространство характерными для живописи направлениями.

Активнее всего изображался пейзаж, его многогранность, стихийность, уравновешенное состояние, плавность линий, спокойствие цветовой палитры.

«Импрессионистичность» в живописи Уильяма Тёрнера выражается в использовании особенностей импрессионистического художественного образа:
1) взаимодействие предмета с окружающей его световоздушной средой — вибрации света в виде игры световых бликов;
2) «растворение» предмета в световоздушной среде, его размытое изображение;
3) отказ от моделировки предмета с помощью светотени — «краска настолько поглотила рисунок, что даже линии ожили и стали элементом живописи»;
4) высветление колорита, который создал новое понимание красок и его содержания.

С середины 1840-х годов Уильям Тёрнер переживает творческий кризис, выразившийся в утрате драматического напряжения и цветовых контрастов.

Его взгляд утрачивает зоркость пристального наблюдателя, а пейзажи начинают напоминать ускользающие миражи, таким образом, и появляется в живописи импрессионистичность в художественных образах, передача изображаемого пространства становится намного иной, размытой, свободной.

В этой картине У. Тёрнер экспериментирует «Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога», 1844г.

[3] На одном из известнейших картин Тёрнера изображен состав, мчащийся сквозь волны утреннего света по мосту Мейденхед над Темзой, очертания которого угадываются лишь благодаря меченой перспективе.

Этот мост построен в 1839 году, когда строительство железных дорог Англии только начиналось. В 1842 году королева Виктория лично проехала первым поездом по только что построенной ветке Большой западной железной дороги.

Картина «Дождь, пар и скорость» поражает оригинальностью композиции, для которой характерна исключительная геометрическая точность. Состав несется вправо и почти на зрителя — из глубины пространства, наполненного паром и дымом, по мосту над рекой Темзой.

Внизу под паровозом виден широкий проем арки, в котором угадывается сверкающая золотистым блеском поверхность воды. В левой части полотна изображен другой мост, с четырьмя колоннами, смутно отражающимися в бледно-голубой глади.

А между двух мостов плывет лодка с людьми, а еще на берегу танцуют девушки, символизирующие временную идиллию, которая радикально противопоставляется революции, охватившей Англию во времена жизни У.Тёрнера.

Справа — мужчина с плугом обозначает участь крестьянства, не поспевающего за техническим прогрессом и обреченного на нищенское существование.

Рис. 3. «Дождь, пар и скорость. Большая западная железная дорога», 1844 г.

Композиция поделена двумя взаимно перпендикулярными осями на четыре равные части: верхнюю и нижнюю, левую и правую. Игра золотых оттенков задает верх и низ, глубина перспективы уравновешивает левую и правую стороны.

В правой нижней четверти полотна преобладают более темные оттенки, в левой нижней четверти их меньше, они не такие глухие, их побеждает игра светлых красок. Перспективные линии обеих частей композиции направляют взгляд зрителя к центру картины, вглубь как в фокусе все материальное теряет реальные контуры.

Направление перспективы задано очертаниями мостов и поезда, а поверхности зрителю предстоит домыслить самостоятельно.

Свобода от построения формы особенно четко прослеживается в изображении локомотива и вагонов. Несмотря на то, что форма предмета вполне правдоподобна, очевидно, стремление художника растворить ее в атмосфере, смешать с мерцающими огнями.

То же происходит и с мостом, написанным в темно-коричневых и красновато-охристых тонах: он весь омыт световым потоком, пронизан солнечными лучами.

Где — то вдалеке, где угадывается конец состава, мост окутан сверкающим маревом дождя, в котором тонет все.

Также он широко применяет покрытие живописных слоев лаком и таким образом добивается эффекта свечения, который можно увидеть в прозрачных тонах водной глади. Сквозь дымку проступает основной живописный тон — в небе: синий цвет, от темного до светло-голубого, бледно-желтого и ослепительно-белого.

Главное в этой технике то, что она исключает непременное прописывание заднего плана: все цвета плавно переходят из одного в другой, и границы их размыты. Как пишет С.

Макарова, «приблизился к тем тончайшим зрительным впечатлениям, которые возникают, когда свет отражается водой, или просматривается сквозь дождь, пар или туман». [7, с. 6]

Импрессионистичность Тёрнера заключается втом, что он мастерски передал в своих произведениях понимание мира, посредством художественно-выразительных средств, таких как цвет, световой контраст и т. д.

Его впечатления от повседневной жизни легли в основу живописных произведений, а импрессионистичность выразилась в ряде характеристик, таких как расплывчатость контуров, растворение предметов в световоздушной среде, высветление колорита, в игре рефлексов и раздельного мазка.

Таким образом, можно предположить, что художник предвосхищает будущее находки импрессионистов. Получается, что чуткость восприятия освобождается от соблюдения существующих живописных канонов.

Литература:

Акройд П. Тёрнер. / Акройд П. М.: А-Аттикус, 2012. — 224с.
Богемская К. Г. Клод Моне. — М.: Искусство, 1984. — 143 с., илл.
Дюпети М. «Великие художники: их жизнь, вдохновение и творчество», У. Тёрнер, часть 21 / Дюпети М., изд-во: ООО «И. Юкрейн»
Калмыкова В. Шедевры мировой живописи, английское искусство XVII-XIX вв.
Костеневич А. Г. Французское искусство XIX — начала XX века в Эрмитаже, Изд-во «Ленинградское отделение», 1984.
Макарова С. По материалам журнала Alexander von Humboldt Stiftung. Mitteilungen. Наука и жизнь, 1997.
Хайдеггер, М. [Электронный ресурс].– Режим доступа: http://gendocs.ru/v28250/ (дата обращения: 14.10.2015.)

Основные термины (генерируются автоматически): изображаемое пространство, световоздушная среда, английский художник, сигнал бедствия, работа, пространство, правая сторона, мост, картина, Англия, художник.

Источник: https://moluch.ru/archive/117/32339/

Джозеф Тернер «Дождь, пар и скорость»

Введение
Тёрнер Джозеф Мэллорд Уильям(1775-1851)
Английский живописец, рисовальщик, гравер, мастер романтического пейзажа, оказавший влияние на формирование импрессионистического направления.

Родился в семье цирюльника. Брал уроки живописи у Т.Молтона (около 1789). Учился в Королевской Академии в Лондоне (1789-1793).

В 1802 г. стал академиком, а в 1809 г. профессором в академических классах.

Совершал многочисленные поездки по Англии и Уэльсу, путешествовал во Францию и Швейцарию (1802), Голландию, Бельгию и Германию (1817), Италию (1819, 1828). Творческая манера сложилась в основном под влиянием К.Лоррена, Р.Уилсона и голландских маринистов.

Уильям Тёрнер очень редко пользовался этюдами, написанными с натуры, обычно он ограничивался карандашными набросками и записями своих впечатлений.
Анализ картины «дождь, пар и скорость»
тернер картина дождь скорость

Так в 1844 году Тернер загорелся идеей создать картину «дождь, пар и скорость», когда ехал в поезде во время шторма и выглянул в окно. Открывшийся взору вид поразил его, и мастер выразил свои впечатления в полотне. О чем свидетельствует пятитомный трактат «Современные художники» Джона Рёскина, страстного поклонника живописца.

Конец 1830-х был временем всеобщего увлечения и восхищения железными дорогами. Вспоминается знаменитый романс Глинки на стихи Н. Кукольника «Попутная песня», написанный по случаю открытия первой железной дороги между Петербургом и Царским Селом в 1837, в то же время, когда Тернер делал наброски к представленной картине.

На картине художник изобразил мчащийся поезд, единственно чётко распознаваемой деталью которого является труба паровоза. Всё остальное тонет и растворяется в золотистом мареве. На картине можно разглядеть опоры моста и лодку с двумя пассажирами.

С удивительным мастерством художник обращается с маслом, для передачи атмосферных эффектов он первым отказался от привычного темного грунта и перевел принципы акварельной живописи. За светлоту палитры Тернер тут же заработал кличку «белого» художника — белый цвет считался не живописным, «не поддающимся дисциплине и гармонии».

В то время художники воспевали красоту машины, удивительного мощного механизма, стараясь как можно тщательнее выписать ее детали. Тёрнер же сумел избежать этого искушения. Единственная цель, которую он преследует, — передать ощущение скорости.

Поезд, подобный темному и яростному зверю, мчится по новому мосту. Пейзаж позади него скрывается в дымке, а в нижней части картины мы видим крошечную лодку и пахаря.

Они изображенные очень статично, символизируют уходящую медлительную эпоху. На берегу реки написаны призрачные фигуры людей, загипнотизированных видом поезда. Эта картина Тёрнера приводила в восторг начинающих импрессионистов.

Три пятна белой краски над паровозом изображают облака пара. Он еще не успел рассеяться, и это указывает на то, насколько быстро мчится поезд.

Сверкающая сфера паровоза — самая яркая деталь картины. Она является графическим символом сверхмощи новой машины и композиционным центром.

Изображен яркий день, золотые поля, режущие глаза своим великолепием, которые так и норовят ускользнуть от зрителя.

В работе представлена линейная композиция. Точка схода расположилась в самом центре полотна. Композиция в большинстве своем динамична. Перед нами яркий пример изображения молниеносного движения, которое только усиливается за счет двух маленьких, абсолютно статичных деталек в левой части работы — лодочки с двумя пассажирами и трех пахарей, радостно провожающих нового зверя.

Удивительный пример динамичного изображения, располагающегося горизонтально, ведь по канонам золотого сечения ничто так не подчеркивает динамику, как вертикальный формат. Однако, художник не совсем отвернулся от правил, показать скорость машины ему помогли восходящие диагонали. Они создают впечатление роста и стремления, а так же задают небольшое напряжение.

Пространство полотна наполнено воздухом. Поезд мчится, перед ним — бескрайние просторы, новые впечатления его пассажиров.

Мыльной пеной, смешанной с раствором для побелки — вот как называли его работы тогдашние критики.

Действительно, после статических, привычных красно-коричневых полотен дождь, ветер, пар и скорость Тернера ошеломляют. Надо было иметь смелость, чтобы писать так во времена отличной иллюстрации, когда эстеты вставляли в глаз монокль «стекло Клода Лоррена», при рассматривании живописи.

Но тогда Тернер казался чересчур свободным, даже распущенным. Слишком активные краски. Слишком много воздуха в кадре. Вместо уютных итальянских пасторалей — до неприличия беспредметные пейзажи. То, что до него было только фоном — солнце, туман, свет — главное действующее лицо в повествовании.

Даже Констеблю, который уважал и ценил Тернера, эксперимент показался слишком смелым: «Он сошел с ума от своего мастерства, рисует шафраном и индиго!».

Тернер — художник света, люминист. Иногда его называют первым абстракционистом, хотя работы, все же, не теряют реалистического изображения — цвет в них очень взвешен. Несмотря на яркость красок, оттенки сложные, открытых цветов практически нет. Кроме того, за, на первый взгляд, почти беспредметными композициями Тернера всегда стояли вполне реальные факты.

Жгучий колорит, яркие, но в то же время гармоничные краски, масляная пастозность совмещенная с акварельной легкость и эффектом прозрачности- все это об одной работе. Работе Джозефа Уильема Тернера.

При таком богатстве теплых охристо-лимонных оттенков работа не слепит за счет вкрапления церулеума, кобальта. Вероятнее всего, именно этими цветами художник пишет небо и воду. Эти оттенки накладывались подложкой, нижним слоем.

Светом залита вся картина, он льется со всего неба, отражается в воде. Но источник света справа, о чем свидетельствует тень, падающая от несущегося поезда.

Темным, четким пятнышком на холсте вырисовывается наш поезд. Однако, не поддерживающееся пятно на любой картине будет выпадать, нарушая целостность и гармонию. Именно поэтому Тернер добавляет темные рефлексы в воду, показывающие ее глубину. Также такие рефлексы можно увидеть в изображении растительности и маленьких деревьев, растущих в поле.

Эти рефлексы выполняют множество изобразительных и выразительных функций. Темные пятна не дают почти черному поезду сломать целостность работы. За счет разной манеры написания подчеркивается структура воды, деревьев. Это не дает им слиться в единую смешанную массу.

Кроме всего прочего эти элементы помимо уравновешению цветовой композиции улучшают визуально ощущение земли и неба для зрителя.

«Дождь, пар и скорость» является примером позднего творчества. К этому времени восприятие природы у художника становится более острым, эмоциональным, проявляясь в выборе соответствующих сюжетных мотивов или состояний природы, в стихиях особенно привлекали его вода и свет.

В произведении Тёрнер стремился передать врывающийся сквозь туман свет, который освещает вагоны, дым, дождь, поезд. Решая эти и подобные им сложнейшие задачи, он иногда превращает свои композиции в феерические зрелища, где потоки краски сливаются в утонченные цветовые гармонии, а предметы почти утрачивают черты реальности.

Когда-то я прочитала слова Крамского о творчестве Веласкеса, которые невольно вспоминаются глядя на импрессионистические произведения Тернера:

«Смотрю я на него и чувствую всеми нервами своего существа: этого не достигнешь, это неповторимо. Он не работает, он творит, так вот просто берет какую-то массу и месит, и, как у Господа Бога, она шевелится, смотрит, мигает даже…»

Хотя рассмотренная нами работа несомненно отражает результат изучения художником физики света и атмосферы, которой он занимался, будучи профессором Королевской академии, работа смотрится живо, легко. Она буквально пропитана свежестью и даже в наше время я считаю, что она смотрится современно. Это несомненно показатель абсолютного профессионализма художника.

Источник: https://studwood.ru/755696/kulturologiya/dzhozef_terner_dozhd_par_i_skorost_

Источник

24 августа 79 года нашей эры произошло первое известное и самое ужасное извержение Везувия. В тот день рано утром над вулканом, который все давно считали спящим, поднялось черное облако. Небо вдруг сделалось грозным, сгустки пепла, извергающиеся из вулкана, полностью скрыли солнце, и наступила кромешная тьма. На улицу нельзя было выйти, не прикрыв голову подушкой, так как вместе с пеплом на голову падали тяжелые камни.

Извержение Везувия привело к гибели трёх городов – Помпеи, Геркуланума, Стабий и нескольких небольших селений и вилл. В процессе раскопок выяснилось, что в городах всё сохранилось таким, каким было до извержения. Под многометровой толщиной пепла были найдены улицы, дома с полной обстановкой, люди и животные, которые не успели спастись. Сила извержения была такова, что пепел от него долетал даже до Египта и Сирии.

Имеются сведения о более чем 80 значительных извержениях Везувия.

Такие события, как извержения вулканов, неизменно привлекают внимание, причем даже в том случае, если извержение небольшое. Потому совсем неудивительным является тот факт, что подобные явления находят свое отражение в искусстве.

1. «Последний день Помпеи», К. Брюллов

«Последний день Помпеи», К. Брюллов
1827-1833 гг, холст, масло, 456,5х 651см
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Трудно назвать картину, которая пользовалась бы у современников таким же успехом, как «Последний день Помпеи». Едва полотно было завершено, римская мастерская Карла Брюллова подверглась настоящей осаде. «Весь Рим стекался смотреть мою картину», — писал художник. Выставленная в 1833 г. в Милане «Помпея» буквально потрясла публику. Хвалебными рецензиями были полны газеты и журналы, Брюллова называли ожившим Тицианом, вторым Микеланджело, новым Рафаэлем…

В честь русского художника устраивались обеды и приемы, ему посвящались стихи. Стоило Брюллову появиться в театре – зал взрывался овациями. Живописца узнавали на улицах, закидывали цветами, и порой чествования заканчивались тем, что поклонники с песнями носили его на руках. В 1834 г. картина, по желанию заказчика, промышленника А. Н. Демидова, была выставлена в Парижском Салоне. Реакция публики была здесь не столь горячей, как в Италии (завидуют! — объясняли русские), однако «Помпея» удостоилась золотой медали французской Академии изящных искусств.

Энтузиазм и патриотический подъем, с которыми картину встретили в Петербурге, трудно вообразить: благодаря Брюллову русская живопись перестала быть старательной ученицей великих итальянцев и создала произведение, восхитившее Европу!

Картина была подарена Демидовым Николаю I, который ненадолго поместил её в императорский Эрмитаж, а затем подарил Академии художеств.

2. «Извержение Везувия», Ю. К. Даль

«Извержение Везувия», Ю. К. Даль
ок. 1821, Холст, масло. 98,3×137,5 см
Государственный музей искусств, Копенгаген

«Извержение Везувия» — картина норвежского художника Юхана Кристиана Даля.
В 1820 году Ю. К. Даль отправился в путешествие по Италии. После непродолжительного пребывания в Риме он приехал в Неаполь. Когда в декабре 1820 года произошло извержение Везувия, Даль был одним из первых, кто поднялся на гору, чтобы запечатлеть это событие. В качестве мотива он выбрал текущий поток лавы, языки огня и клубы дыма. Прямо возле лавы за извержением наблюдают два человека, а на заднем плане видна красочная панорама с заливом и небом. Даль не пытался изобразить идеализированный южный пейзаж, а выбрал драматический сюжет с буйством природных сил.

Есть несколько версий картины «Извержение Везувия». Две (43×67,5 см, 1820 и 98,3×137,5 см, 1821) хранятся в Государственном музее искусств в Копенгагене, одна — в Штеделевском художественном институте во Франкфурте-на-Майне, и ещё одна (93×138 см, до 1823) — в Национальной галерее в Осло.

3. «Извержение Везувия», Д. Райт

«Везувий из Портичи», Д.Райт
Холст, масло

«Извержение Везувия» — повторяющаяся тема в четырёх картинах и минимум одном наброске английского художника Джозефа Райта, путешествовавшего по Италии в 1773—1775 годы. Одна из них, «Везувий из Портичи», находится в библиотеке Хантингтона в Калифорнии; вторая, «Извержение Везувия, с видом над островами в заливе Неаполя» — в лондонской галерее Тейт; третью, «Везувий с Посиллиппо», можно увидеть в Йольском центре британского искусства; четвёртая, известная под тем же названием, находится в частной коллекции.

В 1774 году Райт во время путешествия сделал набросок гуашью, который ныне хранится в Музее и художественной галерее Дерби.

Везувий с Посиллиппо (Vesuvius from Posillipo)

Извержение Везувия, с видом над островами в заливе Неаполя (Vesuvius in Eruption, with a View over the Islands in the Bay of Naples)

Картина из частной коллекции

Набросок из Музея и художественной галереи Дерби

Источник

Уильям Тёрнер. Последний рейс корабля «Отважный»

Уильям Тёрнер. Дождь, пар и скорость

Уильям Тёрнер. Трафальгарская битва

Уильям Тёрнер. Большой канал в Венеции

Уильям Тёрнер. Извержение Везувия

Уильям Тёрнер. Современный Рим — Кампо Ваччино

Уильям Тёрнер. Дидона, основательница Карфагена

Извержение везувия картина брюллова

Извержения везувия и последний день помпеи

Джозеф райт: жизнь и творчество художника

Биография

Творчество

Опыт над птицей в воздушном насосе

Дети Хью и Сары Вуд из Суонвика, Дербишир

Портрет Миссис Эндрю Линдингтон

Уильям Рестолл

Опыт над птицей в воздушном насосе

Мистер и миссис Томас Колтмен

Кузница. Вид снаружи

Фейерверк в Замке Ангела

Вид озера Неми на закате

Извержение Везувия с островами Неаполитанского залива

Уильям Тернер – биография и картины художника в жанре Романтизм – Art Challenge

Уильям Тернер

Детство и юность

Живопись

Личная жизнь

Смерть

Картины

Уильям Тёрнер. Преодолевший время. Часть 3

Импрессионистичность как характеристика изображаемого пространства в работах Уильяма Тёрнера

Джозеф Тернер «Дождь, пар и скорость»

Новое и интересное на сайте: